da William Shakespeare

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Giovanni Paolo Di Fiore, Maria Cristina Florio, Giuseppe Greco, Angela Lo Presti, Davide Palmeri, Stan Razvan Costel

collaborazione regia Daniela Mangiacavallo, attrici assistenti Eletta Del Castillo, Giuditta Jesu, costumi Roberta Barraja, assistenti ai costumi Marta Fasulo, Francesca Mandalà, Alice Perez, foto di scena Alessia Lo Bello, ufficio stampa Alberto Samonà, prod. OfficineOuragan e Baccanica, Ministero della Giustizia, Dipartimento di Giustizia Minorile e di Comunità, Centro di Giustizia Minorile della Sicilia, USSM Servizi Sociali per i minori di Palermo, Coordinamento Nazionale di Teatro e Carcere, debutto gennaio, 2019, Spazio Franco e Teatro Biondo, Palermo

Il piccolo Amleto, foto di Alessia Lo Bello

Il punto di partenza è stato il rifiuto categorico del giovane Amleto di obbedire all’ordine perentorio del fantasma del padre. Amleto vuole continuare a vivere ed è poco disponibile a seguire gli ordini di un adulto e per giunta morto. “Tornatene nel tuo inferno!” dicono. “Cosa mi importa del tuo cadavere?” Questa scelta è stata suggerita dai racconti di alcuni ragazzi circa l’obbedienza dovuta al mondo degli adulti. Non bisogna obbedire, dicevano, ma esercitare la disobbedienza quando un adulto ti ordina di vendicare con un omicidio il proprio assassinio. Molti minori vengono mandati allo sbaraglio, gli viene impedita una vita altra dall’ambiente. Non è per tutti così, certo, ma spessissimo sentiamo di minori ‘usati’ perché difficili da punire come accadrebbe agli adulti. Ma questo accade in tutti gli ambienti, non solo in quelli tendenti al crimine. Ancora una volta Shakespeare ha parlato loro e loro ne hanno tratto questa conclusione. La cosa che più li ha fatti soffrire è stata la perdita dell’amore. A questo punto, l’amore è morto, (parole di Heiner Müller), non il Re, mi hanno detto. Era un invito ancora evidente a concentrarci sul vero dramma della tragedia, che per noi è diventato l’amore di due giovani, impedito sul nascere, covo di intrighi di adulti. Questo è alla fine diventato il nostro punto di partenza. E da li ci siamo concentrati sugli incontri, inspiegabili a volte, tra Amleto e Ofelia. Gli Amleti, perché nel nostro gruppo tutti gli uomini hanno interpretato Amleto, non la tragedia di uno, ma quella di molti, continuano nella scena della biblioteca ad essere assorti nella lettura della poesia e ignorano il grido del padre: Vendicami! In fondo era questo che il giovane Amleto voleva fare, continuare a studiare e a conoscere. Ci sono troppe analogie tra la storia della tragedia familiare i giovani attori con cui ho lavorato. La drammaturgia si è sviluppata lentamente, ma se intendi un vero laboratorio di scrittura, non lo abbiamo fatto, è una esperienza che non ho mai affrontato. Qui usano le parole di Rilke, Müller, Shakespeare. E a parte la breve scena sul cadavere del Re e sui morti a metà che non esistono, nulla è stato scritto da loro.

Claudio Collovà

dal romanzo di Carmelo Samonà

drammaturgia e regia Claudio Collovà, con Sergio Basile e Nicolas Zappa

scene e costumi Enzo Venezia, musiche Giuseppe Rizzo, assistente regia Valentina Enea, assistente scene Ottavio Anania, make-up artist Gae Pusanti, foto di scena Alessia Lo Bello, prod. Teatro Biondo Stabile di Palermo, debutto febbraio 2018, Palermo

Due fratelli vivono o tentano di vivere, in un vecchio appartamento, in una quiete raccolta e un po' falsa, circondati da un debole impasto sonoro proveniente da una città invisibile e che a loro giunge ovattato e distante, privo di storia. La casa risuona come una grande chiesa abbandonata, senza vie di uscita. L’incipit del romanzo è in effetti chiarissimo: Vivo, orma sono anni, in un vecchio appartamento nel cuore della città, con un fratello ammalato. Nessun altro obita con noi, e le visite si fanno rare. In questa vita, in questo luogo, in questo tempo isolato ed estremamente nascosto, sono nate le premesse per il lavoro teatrale. Fratelli è infatti un racconto di grande bellezza e silenzioso a tal punto che, al di là della storia realistica e biografica, occupa una dimensione metaforica utile per una ricerca teatrale non vincolata, che mi ha spinto a considerare i due fratelli come un io diviso, come due aspetti diversi e contrastanti della stessa persona. L'uno nel suo maniacale tentativo di mettere sistematicamente ordine al mondo e ai comportamenti dell'altro attraverso una scia di indizi che fedelmente registra, e l'altro - consciamente e involontanamente - teso alla distruzione delle infinite e contraddittorie riflessioni del fratello, e materialmente impegnato a disordinarne le tracce per distruggere ogni indagine su di sé. Irrealtà e realtà si intrecciano e si mescolano, e i due fratelli, per ragioni diverse, sembrano afflitti entrambi dalla malattia. Una lotta incessante, violenta ma anche carica di amore, che li accomuna e li rende simili. L'immaginario è fortemente alimentato da una nostra indagine su Francis Bacon che ha coinvolto, oltre che gli attori, anche il lavoro sulla scena e sui costumi di Enzo Venezia. Un debito che allude e s'ispira a un pittore che consideriamo un riferimento fondamentale proprio per certi disequilibri che riguardano innanzitutto l'anima, con figure che sono grumi di dolore e di agonia e tuttavia cocciutamente vivi. Del resto la solitudine, la provvisorietà, la crisi, l’incomunicabilità sono i tratti distintivi che avvicinano l’opera di Bacon al mondo raccontato da Samonà nel suo meraviglioso romanzo. Un romanzo che consiglio a tutti di leggere con infinito ascolto. In scena, ancora una volta con me, Sergio Basile e Nicolas Zappa con cui da tempo ho avviato un felice percorso che si rinnova oggi, e Giuseppe Rizzo, le cui musiche e sonorità accompagnano il mio lavoro da tempo. A loro, a Enzo Venezia, come sempre il mio primo ringraziamento. La prima rappresentazione assoluta di Fratelli prodotta dal Festival sul Novecento di Palermo e da Teatridithalia di Milano, avvenne, con la mia regia, il 17 novembre 1999. Vedeva in scena Ruggero Dondi e Gabriele Benedetti. L'attuale versione, prodotta dal Teatro Bando di Palermo, ha luogo quindi a quasi vent'anni dalla prima ed è profondamente mutata, frutto di un rinnovato lavoro con nuove collaborazioni in ogni ruolo.

Claudio Collovà

da I Quaderni di Laurids Malte Brigge di Rilke

con Antonio Orlando, Hermina Fatyol, Nicolas Zappa, Django Guerzoni, Marina Savino, Salvo Dolce, Emanuela Masia, Lara Cuppari

musica Giuseppe Rizzo, make-up artist Gae Aulenti, costumi Roberta Barraja, prod. Festival Adiacenze, Università di Palermo, Teatro Biondo, Teatro Massimo - debutto maggio 2018, Oratorio di San Domenico, Palermo

Angeli in biblioteca, foto di Simona Scaduto

I quaderni di Malte Laurids Brigge di Rainer Maria Rilke, uno fra i più importanti e significativi poeti del XIX secolo, e al quale si ispira per immagini e parole il mio lavoro teatrale, è il racconto di un testimone. “Quindi è qui che la gente viene per vivere, io direi che qui piuttosto si muore… Ho viaggiato… Ho visto… Ho visto un uomo che è caduto svenuto…” Pubblicato nel 1910, è il solo romanzo di Rainer Maria Rilke, e la sua prosa è ipnotica e bellissima, concreta e visiva, radicalmente sperimentale e con una natura di temi coraggiosi che ci riguardano tutti. Io direi che ha che fare con la morte, con l’esistenza, con il divenire. A Parigi, Malte diventa. Egli “impara a vedere”, e queste parole sono pronunciate molto spesso da Malte. E’ un romanzo che vaga e viaggia per sentieri, ma ritorna al punto di partenza con qualcosa in più: l’esperienza, parola comune a tutti gli uomini. Parla di morte, di storia e di immaginazione. Ha a che fare con la paura e la febbre e l’arte. Ci parla della potenza della poesia. Noi siamo guidati attraverso i sentieri della memoria, delle visioni e delle leggende, e ognuno di essi pulsa del nostro sangue. Un poeta deve scrivere “giorno e notte, deve solo scrivere, e questo sarà.” Ecco il carico del giovane poeta. Malte ricorda la malattia, le febbri, e i lunghi pomeriggi passati in loro compagnia. Egli esplora se stesso e le tante versioni di se stesso. Egli indossa maschere e travestimenti. Porta “fuori e alla luce” oggetti che appartengono alla sua infanzia e alla sua casa materna. Si preoccupa dei tanti volti. A volte, Malte\Rilke ci danno del tu. Ma è per concludere il loro testamento. “Non crediate che io soffra di delusione, al contrario: sono a volte sorpreso di quanto io sia pronto a rinunciare ad ogni cosa pur di mostrare la realtà, anche quando essa è terribile.” Con l’ambizione che I quaderni di Malte Laurids Brigge rimangano l’unica fonte di ispirazione, la pittura nella sua forza evocatrice e compositiva, la musica agìta dal vivo e la condizione di esistenza degli interpreti, nascono dalle immagini e dalle visioni di Rilke e dalle parole sue evocatrici dell’esperienza umana.

Claudio Collovà

dal romanzo di Christa Wolf

uno spettacolo di Claudio Collovà, con William Caruso, Roberto Mulia, Salvatore Ventura, Gabriella Zito, Adele Di Bella, Federica Gurrieri, Silvia Messina, Alba Sofia Vella, Isabella Sciortino, Giulia Messina, Emanuele Carlino, Giulia Antille, Tommaso Garrè, Federico Mosca, Salvatore Pappalardo, Stefano Pavone

drammaturgia Giusi Norcia, scene, costumi e luci Claudio Collovà, musica Giuseppe Rizzo, coreografia Alessandra Fazzino, canti Simonetta Cartia, Salvatore Samperi, assistente regia Claudia Zappia, foto di scena Franca Centaro, prod. Inda Istituto Nazionale Dramma Antico, debutto Teatro Comunale, Marzo 2018 Siracusa

Cassandra, foto Franca Centaro

Un muro nero, e una soglia al centro, lunga forse tre metri. Nella stanza che intravedo nel dietro, scorgo ombre in cammino. Hanno un passo simile, gli occhi fissi ai piedi, silenziose. Le vedo emergere dalla penombra, e ogni volta che sostanomute sulla soglia, che sembra brillare di una luce propria, le vedo sparire nuovamente, inghiottite dall’oscurità. Uomini e donne che a un tratto intonano un canto lontano, fioco all’inizio, e dopo più presente, ma sempre evocato, distante, che appartiene a una dimensione impossibile da abitare. Nessuno di noi potrebbe vivere in quello spazio nascosto. Un uomo sulla soglia, poi raggiunto da una donna. Mi guardano a lungo. E io non riesco a distogliere lo sguardo dai loro occhi. Ci stiamo dicendo qualcosa. Poi varcano la soglia e si avvicinano, forse per guardarmi da più vicino. Si separano, mi guardano, hanno di me prospettive diverse. Dietro di loro, poco alla volta hanno tutti fatto così. Da soli, in coppia, in piccoli gruppi, hanno sostato a lungo sulla soglia e poi son venuti più vicino senza mai staccare gli occhi da me. Tutti fermi, a pochi metri da me, mi son sembrati alti, e la loro disposizione mi ha ricordato presto una vecchia foto ingiallita dal tempo, in cui ognuno dei soggetti è morto da tempo, ma che era vivo al momento dello scatto, come accade sempre. Si forma come certi negativi che nella camera buia, quando ero ragazzo, affioravano lentamente nelle mie mani, e ogni gesto, ogni ritratto, ogni relazione e postura, navigava nel liquido di una pozza e poi emergeva nella sua chiarezza e completezza come un magico affare. A me che guardo, quell’umanità sembra fatta di vivi e di morti, figure che sono miei simili indiscutibilmente, ma sono anche lontani, rari, diversi. Mi hanno guardato tutti, hanno tenuto tutti gli occhi su di me, senza svelarmi nulla, comunicando con me solo mentalmente, e in quel silenzio mi sono sentito sommerso di parole.

Claudio Collovà

di Stefano D’Arrigo

drammaturgia e regia Claudio Collovà, con Vincenzo Pirrotta, Manuela Mandracchia, Giovanni Calcagno

scene e costumi Enzo Venezia, luci Nino Annaloro, musiche Giuseppe Rizzo, video Alessandra Pescetta, direttore allestimento scenico Antonino Ficarra, direttore di scena Claudio La Fata, aiuto regia Salvo Dolce, assistente regia Elisa Cricchio, assistente scene e costumi Giusi Giacalone, ufficio stampa Roberto Giambrone, foto di scena Franco Lannino / Studio Camera, prod. Teatro Biondo Stabile di Palermo, debutto aprile 2016, Teatro Biondo, Palermo.

Horcynus Orca, foto di Franco Lannino

L’Horcynus Orca di D’Arrigo narra il ritorno dalla guerra di ‘Ndrja Cambrìa, nocchiero della fu Regia Marina italiana. Dell’opera, vastissima, il Nostos racconta, legandoli insieme, due episodi centrali: quello di Ciccina Circé, la madremaga che lo traghetterà verso il suo paese sullo stretto, mare che per ordine delle autorità inglesi nessuno poteva solcare, e quello con Caitanello, il padre a lungo cercato, uno dei vecchi pescatori che sulla linea dei due mari, tra Scilla e Cariddi, hanno la pelle dura come gli squali. Ciccina Circè, gli offre il trasbordo in cambio di una notte d’amore, la sacra prostituta, potente e ammaliante figura di femminota, dedita a misteriosi traffici su e giù per lo scill’e cariddi, alla fine del quale finalmente ‘Ndria può ricongiungersi col padre Caitanello. Sono due episodi di estrema bellezza, fisica e linguistica: il primo reso attraverso un’epopea dell’immaginazione erotica e sensuale, il secondo, quello con il padre Caitanello, ormai anziano e che a stento lo riconosce, reso con un racconto tra il sogno e la veglia, in cui Ndrja ascolta il suggestivo sproloquio del padre, le famose “due parolette”, venato dal rimpianto di un uomo ormai anziano e prossimo alla morte. Al centro di questo lavoro, quindi, due movimenti legati insieme da un andamento insieme narrativo e musicale, il transito e il ricongiungimento. Ho immaginato e visto a lungo vivere dentro al mio cuore questa arbitraria, per me, Sacra Famiglia. Una madre, un padre e un figlio. E solo su queste tre presenze ho confidato di rievocare la bellezza di questo romanzo, cosi affollato di visioni e di bellissime parole. Alla folla di voci degli innumerevoli altri personaggi e abitanti del mare, ho dedicato tutta la forza di tre vecchi saggi. Li ho visti sulla riva del mare i vecchi saggi della comunità dei pelli- squadre, pescatori con la pelle dura dei milli anni, i matusalemme del villaggio, dialogare con l’orca e con l’orizzonte del mare. La nostra Orca, quello che ne ho inteso e che riemergerà per noi non solo a parole, la Morte che rende immortali, la sua apparizione improvvisa, la ‘morte per acqua’ come nella Terra desolata di Eliot, poeta a me carissimo. La lingua è viva e concreta, scritta per il teatro, pura azione. Mi ha affascinato la dimensione pittorica dei personaggi, il paesaggio estremo, una visione della Sicilia che mi è suonata davvero come una grande metafora che ci riguarda da vicino. Tutto è vivo nell’Horcynus, e l’enorme felice debito nei confronti di Melville, Proust, Joyce, me lo ha reso ancora più familiare come scrittura di matrice europea. Ma il dato più affascinante è stato riscoprire e lasciarsi guidare dall’enorme autonomia creativa di D’Arrigo, che ha reso possibile questo epos mediterraneo costruendolo su una radicale rielaborazione della lingua italiana. La sua meravigliosa e profonda reinvenzione di un nuovo lessico supportato da forme dialettali, ha reso visibile ogni dettaglio, ha permesso che ogni sua visione fosse concretamente abitata da me insieme alle figure dello scill’e cariddi, e queste si potessero vedere con gli occhi, come in un film.

Claudio Collovà

da Elias Canetti

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Giuliana Amato, Michele Ambrose, Fabiola Arculeo, Livia Bartolucci, Valeria Berardi, Tunde Bodnar, Claudia Borgia, Gianluca Bottoni, Marco Canzoneri, Mauro Cappello, Piero Consentino, Rosalba Corrao, Elisa Cricchio, Cristiana D’Apolito, Salvo Dolce, Rossella Guarneri, Marco Leone, Ilenia Modica, Lelio Naccari, Marcella Parito, Filippo Pecoraino, Salvatore Pirrone, Dario Raimondi, Angela Ribaudo, Valeria Rinella, Giulia Santoro, Marina Savino, Patrycja Stefanek, Caterina Strafalaci, Simona Taormina, Giuseppe Tarantino, Luisa Urso, Vittoria Strazzeri, Maria Pia Valentini, Federica Zacchia, Nicolas Zappa, Claudio Collovà

assistente regia Maria Antonietta Trincucci, video Piero Consentino, prod. Orestiadi di Gibellina, Teatro Mediterraneo Occupato, debutto XXXIV edizione delle Orestiadi, luglio 2015, Gibellina (TP)

Massa e Potere 2, foto di Aldo Palagonia

Nel 1922, a Francoforte, lo studente diciassettenne Elias Canetti si trovò ad assistere a una manifestazione contro l'assassinio di Rathenau. Quel giorno egli sentì che la massa esercitava un'attrazione enigmatica, qualcosa di paragonabile al fenomeno della gravitazione. Nelle sue memorie Canetti scriverà, a proposito della massa: 'E un enigma che mi ha perseguitato per tutta la parte migliore della mia vita e, seppure sono arrivato a qualcosa, l'enigma nondimeno è restato tale' . Il 'qualcosa' a cui qui si allude è Massa e potere, che apparve nel 1960, - quest’anno ricorre il 50° dalla data della sua pubblicazione - dopo trentotto anni di elaborazione in cui si restituisce del tutto, senza risolverlo ma addirittura ampliandolo, l’enigma della massa. Non si tratta di un affresco storico né di una tipologia sociologica ma di una serie di frammenti per pensare. Su questa serie di frammenti per pensare, noi abbiamo costruito il nostro spettacolo, prendendoci cura solo di alcune delle possibilità che Canetti presenta nella sua vastissima ricerca e analisi, e ce ne siamo nutriti con la massima libertà e arbitrarietà. Come Canetti non abbiamo giudicato la Massa, ma abbiamo attraversato in flusso esperienze fisiche ed emotive, collegandole tra loro attraverso un andamento musicale e allusivo che potesse spezzare ogni relazione di carattere narrativo. Frammenti e nulla più che appaiono e svaniscono all’orizzonte perché forse della realtà questo possiamo ambire a conoscere, un mucchio di immagini frante. La Massa qui presentata è in primo luogo quella sterminata dei morti, fissata in ingiallite fotografie d’epoca, specchio dei vivi. Massa è il panico di una porta chiusa generatrice d’immagini, ed è la 'scena psichica' dell’individuo e non può esistere se non come contrappeso, cosmica 'paredra', di un'altra soverchiante entità: il potere. Masse costrette ad esodi e prigionia, in balia di ideologie ormai spente, di bandiere che sventolano lo spazio di un mattino nel tempo infinito dell’esistenza e che lasciano sul terreno cataste di corpi senza vita. Masse in abbondanza e privazione di cibo, pervase dalla necessità di crescere indefinitamente, di penetrare ovunque senza lasciare nulla fuori di sé, nel tentativo di coincidere - alla fine - con tutto ciò che esiste. Una eguaglianza «assoluta e indiscutibile», che la pervade dando unità alla molteplicità di sensazioni, esperienze, volontà con una unica direzione, il muoversi tutti insieme verso qualcosa, unica garanzia contro il pericolo sempre incombente del disgregamento. Masse religiose e festive, anticipatrici di eserciti in battaglia. In scena 26 attori, un gruppo di lavoro che ha condiviso esperienze di carattere fisico e biologico diventando tutti uguali e apparentemente indistinguibili a uno sguardo lontano. Sono nati così gli insiemi fisici, gli aggregati centripeti, la semplice vastità del numero. Moltiplicateci pure per cento, per mille, ogni anima che vedrete in scena le accoglie tutte e proverà ad accogliere anche le vostre. Per concludere le parole di Canetti che con il nostro tentativo abbiamo fatto nostre: l’unica forma di liberazione dall’impulso a sopravvivere distruggendo ciò che è diverso da noi «è per propria natura una soluzione riservata solo a pochi» e consiste in «un isolamento creativo che faccia acquistare l’immortalità»: l‘arte, il sapere, la cultura come sopravvivenza che non si nutre della morte altrui, anzi moltiplica e ricrea la vita: «Così i morti si offrono come il più nobile nutrimento ai vivi. La loro immortalità torna a vantaggio dei vivi: grazie a questo capovolgimento del sacrificio dei morti, tutto prospera. La sopravvivenza ha perduto il suo aculeo e il regno dell’inimicizia è alla fine».

Claudio Collovà

da I quaderni di Malte Laurids Brigge di Rilke

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Salvo Dolce, Francesca Laviosa, Alessandra Luberti, Emmanuelle Ponthieux, Sveva Raimondi, Arabella Scalisi, Alessandro Vella, Paola Virgilio, Gisella Vitrano, Marianna Messina Savi Manna

scene e costumi Enzo Venezia, musiche Giuseppe Rizzo, spettacolo di apertura a Gibellina, debutto Festival Orestiadi nel segno del contemporaneo, giugno 2014, Gibellina (TP)

Ogniqualvolta levo gli occhi dal libro,foto di Nino Annaloro

Il lavoro nasce da I quaderni di Malte Laurids Brigge di Rainer Maria Rilke, al quale si ispira per immagini e parole. E’ il racconto di un testimone. Pubblicato nel 1910, è il solo romanzo di Rilke, e con una prosa concreta e visiva, radicalmente sperimentale tratta di temi coraggiosi che ci riguardano tutti: la morte, l’esistenza, il divenire. A Parigi, Malte diventa. Egli “impara a vedere”. Egli indossa maschere e travestimenti e allo stesso tempo si preoccupa dei tanti volti che incontra. Il Malte è un romanzo di apprendistato e tratta di partenze e ritorni, e ha quindi una natura circolare: dall’erranza nella grande metropoli della prima parte alla parabola del figliol prodigo della seconda parte.I quaderni di Malte rimane la mia unica fonte di ispirazione: sebbene nel romanzo vi sia un solo protagonista, Malte, questa opera presenta un gruppo di poeti, una comunità di uomini e donne che trovano rifugio in una biblioteca, una piccola porzione di umanità completamente assorta nella lettura silenziosa di libri bianchi. I frammenti divengono azioni e gli interpreti, tutti poeti che vivono nello stesso luogo inteso come rifugio ed eremo, sviluppano il loro mondo concreto fatto di conflitti, solitudini e relazioni umane attraverso immagini fisiche, dialoghi e azioni. La prima parte del lavoro teatrale è dedicata agli sforzi che l’umanità compie per ‘imparare a vedere’ e tenere la morte a bada, la seconda parte è dedicata agli sforzi che compie per imparare ad amare.
Ogni qualvolta levo gli occhi dal libro mette quindi in relazione il teatro con la poesia di Rilke. Una ricerca che nasce da un bellissimo suo verso “ogni qualvolta levo gli occhi del libro” che parla di quel breve momento in cui decidiamo di sospendere la nostra lettura e guardiamo il mondo e la sua realtà esattamente nel modo in cui è.

Claudio Collovà

dall'Ulisse di James Joyce

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Sergio Basile

scene e costumi Enzo Venezia, realizzazione artistica Giusy Giacalone, musiche Giuseppe Rizzo, luci Edoardo Maria Basile, video Francesco Murana, prod. Teatro Argot Roma, debutto marzo 2013, Teatro Libero Palermo

Bloom's Day, foto Nino Annaloro

'Non ho altro che ammirazione, vorrei, per il mio bene, non averlo letto.'
(T.S. Eliot)

'Sto leggendo l'Ulisse. A dire il vero non riesco a leggere nient'altro, non riesco nemmeno a pensare a nient'altro.'
(Valery Larbaud)

Ulysses è una commedia. Un percorso in cui spesso si inciampa, cadendo fragorosamente a terra, come succede a un cameriere con una pila di piatti sporchi. Una storiella di una giornata e l'epopea di due razze (Israele-Irlanda), la definì Joyce, scoraggiando tutti i cercatori di simboli. Leopold Bloom è già lui stesso dotato di umorismo e ridicolo nelle sue goffaggini, ed è una figura tragica perché tutto intorno a lui è violento e inumano, a cominciare dalla persecuzione di cui è vittima in un'Irlanda già ad inizio secolo anti-semita e razzista. Questo è il vero spirito voluto da Joyce. Simpatia (empatia) e incongruenze come sostituti di pietà e terrore. Questo ultimo lavoro prosegue la mia ricerca sull'Ulysses, dopo Uomini al buio – Ade, Artista da Giovane e Telemachia prodotti dal Teatro Biondo Stabile di Palermo tra il 2010 e il 2012. Bloom's Day, questo nuovo spettacolo, racconta dell'infedeltà di Molly che costringe Bloom a vagare tutto il giorno con il peso del tradimento nel cuore, del sentimento diffuso contro gli Ebrei, del suo ritorno a casa dopo una lunga giornata errante tra le strade di Dublino. Accadimenti che per la maggior parte sono dentro la sua mente. Al centro di tutto infatti sopravvivono qui le sue meditazioni condotte in gran parte nei suoi momenti più intimi e solitari, persino nella vasca in cui l'unica acqua di questo Ulisse è quella anti-eroica dell'Hammam.

Bloom è ebreo, il suo cognome originario è Virag, il padre si è suicidato, è sposato alla cantante lirica Molly, donna di vistoso fascino, ha perso un figlio appena nato undici anni prima, la stessa età in cui mori Hamnet, figlio di Shakespeare. Da allora la relazione con la moglie si è fatta problematica, tanto da sospettare che lei lo tradisca, e lo stesso Bloom ha un'amante virtuale, Marta, con la quale intrattiene una corrispondenza sotto lo pseudonimo di Henry Flower. Esempio di vita mediocre, insignificante, Bloom è avvolto da un disagio privato che rispecchia quello generale e pubblico della città, i cui abitanti spia qui con l'ausilio di un cannocchiale. Il girovagare di Bloom, che certamente non è in linea retta, è lento e ozioso ma probabilmente è il percorso più facile, forse l'unico possibile, al pari dell’eroe omerico, per raggiungere casa e moglie. A Molly Bloom - qui presente come una Ophelia addormentata - è stato attribuito il ruolo di centro gravitazionale della giornata e della vita del marito; questa azione a distanza è però contrastata dal fatto che Bloom\Ulisse, pur pensando costantemente a lei, sembra cogliere qualsiasi pretesto per tenersi lontano dall’approdo.

Claudio Collovà

dall'Ulisse di James Joyce

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Sergio Basile, Domenico Bravo, Luigi Mezzanotte

scene e costumi Enzo Venezia, musiche Giuseppe Rizzo, luci Pietro Sperduti, assistenti alla regia Giulia D'Oro, Giusi Todaro, prod. Teatro Biondo Stabile di Palermo, debutto marzo 2013, Teatro Biondo, Palermo

Telemachia, foto di Nino Annaloro

'Non ho altro che ammirazione, vorrei, per il mio bene, non averlo letto.'
(T.S. Eliot)

'Sto leggendo l´Ulisse. A dire il vero non riesco a leggere niente altro, non riesco nemmeno a pensare a niente altro.'
(Valery Larbaud)

'È l´epopea di due razze e nel medesimo tempo il ciclo del corpo umano ed anche la storiella d´una giornata.'
(James Joyce)

Ulysses è una commedia. Un percorso in cui spesso si inciampa, cadendo fragorosamente a terra, come succede a un cameriere con una pila di piatti sporchi. Una storiella di una giornata e l'epopea di due razze (Israele-Irlanda), la definì Joyce, scoraggiando tutti i cercatori di simboli. La mancanza di umorismo di Stephen Dedalus, che non è riuscito per orgoglio e ribellione anti-gesuitica a inginocchiarsi al capezzale della madre morente, il suo enorme senso di colpa pari a quello di un assassino, la sua eccessiva avversione del mondo, a volte lo rendono ridicolo. La sua immensa serietà alla fine suscita un sorriso e molta tenerezza. Per non parlare di Bloom, già lui stesso dotato di umorismo e ridicolo nelle sue goffaggini. Semmai lui è tragico, perché tutto intorno a lui è violento e inumano, a cominciare dalla persecuzione di cui è vittima in un'Irlanda già profondamente anti-semita e razzista all’inizio del secolo. Il vero spirito voluto da Joyce. Simpatia (empatia) e incongruenze come sostituti di pietà e terrore.
Questo ultimo lavoro - per il momento - conclude la mia trilogia sull'Ulysses, dopo Uomini al buio - Ade e Artista da Giovane prodotti dal Teatro Biondo Stabile di Palermo nel 2010 e 2011. Ulyssage # 4, il mio nuovo spettacolo - andando oltre ciò che viene effettivamente narrato nel libro - racconta dell'allontanamento di Stephen da Mulligan, della sua estraneità al lavoro di insegnante in una scuola diretta da un preside gretto, antisemita e razzista, dell'infedeltà di Molly che costringe Bloom a vagare tutto il giorno con il peso del tradimento nel cuore, del sentimento diffuso contro gli Ebrei, dell'incontro tra Bloom e Stephen, del loro ritorno a casa di Bloom e infine della loro separazione. Materiale abbastanza sufficiente per una nuova odissea, la maggior parte della quale, accade dentro la mente del protagonista. Al centro di tutto infatti sopravvivono qui le meditazioni di Dedalus e Bloom condotte in gran parte nei loro momenti più intimi e solitari, entrambi in forte relazione con l'acqua, quella anti-eroica dell'Hammam per Bloom, e quella lirica della spiaggia di Sandycove per Dedalus. Punto di partenza è l'Amleto, forse parallelismo più forte dell'Odissea, o almeno a mio parere, più significativo. E Dedalus, il dublinese malinconico, in ribellione contro il suo ambiente, alla ricerca di un padre, vestito di nero per lutto, somiglia molto al principe Amleto, se non altro perché l'uno e l'altro errano come ombre, monologando su argomenti esistenziali, disperatamente alla ricerca della loro vita desiderata ma perduta.
Bloom è ebreo, il suo cognome originario è Virag, il padre si è suicidato, è sposato alla cantante lirica Molly, donna di vistoso fascino, ha perso un figlio appena nato undici anni prima (la stessa età in cui mori Hamnet!), da allora la relazione con la moglie si è fatta problematica, tanto da sospettare che lei lo tradisca, ha un'amante virtuale, Marta, con la quale intrattiene una corrispondenza sotto lo pseudonimo di Henry Flower. Esempio di vita mediocre, insignificante, Bloom è avvolto da un disagio privato che rispecchia quello generale e pubblico della città, i cui abitanti spia qui con l'ausilio di un cannocchiale.
Il girovagare di Bloom, che certamente non è in linea retta, è lento e ozioso ma probabilmente è il percorso più facile, forse l''unico possibile, per raggiungere casa e moglie. A Molly Bloom - qui presente come una Ophelia addormentata - è stato attribuito il ruolo di centro gravitazionale della giornata e della vita del marito; questa azione a distanza è però contrastata dal fatto che Bloom\Ulisse, pur pensando costantemente a lei, sembra cogliere qualsiasi pretesto per tenersi lontano da casa.
Infine ho raccolto in una unica voce i personaggi più duri e gretti dell'Ulysses: Buck Mulligan, falso amico di Dedalus, il preside Deasy e il Cittadino esecutori con trenta anni di anticipo di un olocausto che Joyce non poteva allora - nel 1905 - conoscere, ma che sospettava già in atto con una incredibile forza profetica. Del resto, secondo Dedalus interrogato dal preside 'la storia è un incubo dal quale cerco di destarmi.'

Claudio Collovà

dai romanzi di Michele Perriera

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Sergio Basile, Luigi Mezzanotte, Salvatore Cantalupo, Serena Barone, Aurora Falcone, Domenico Bravo

scene e costumi Enzo Venezia, elaborazione video Carlo Di Paola, luci Nino Annaloro, assistente alla regia Antonio Lo Bue, allestimento scenico Antonino Ficarra e Rudi Laurinavicius, direttore di scena Lucia Restivo Spicuzza, prod. Teatro Biondo Stabile di Palermo, debutto marzo 2012, Teatro Bellini, Palermo

I nostri tempi, foto di Nino Annaloro

I nostri tempi è l'ultimo romanzo scritto da Michele Perriera e racconta in chiave autobiografica di un uomo che cade e che spesso non riesce a mantenere la sua verticalità a causa della malattia. Questo movimento innaturale per un essere umano è stato l'incipit di uno spettacolo costruito su frammenti provenienti da tutta la narrativa dell'autore. Una costruzione del tutto arbitraria che si è eretta come un testo apocrifo, qui nato per la prima volta, che usa tuttavia solo ed esclusivamente le parole da lui scritte seppure in altri contesti e in altri romanzi. Ho letto, isolato, e poi collegato nuovamente in assoluta libertà, ma rispettando, a mio parere, il senso di un'opera che scritta da un solo uomo, rappresenta una parte di un corpus poetico vastissimo e afferma una visione del mondo univoca e coerente. I nostri tempi è diventato dunque il titolo del nostro spettacolo per debito all'immagine generatrice della nostra creazione ma anche come metafora di una caduta che tocca e influenza oggi il mondo del teatro, a cui Perriera ha legato la sua vita come regista, autore e maestro.
Non ho voluto raccontare dell'autore, ma di un Uomo che può essere chiunque di noi alle prese con la sua battaglia solitaria con la morte, di un Uomo che attraversa tutte le soglie procedendo nel vortice come direbbe T.S. Eliot. Passaggi inevitabili, a conclusione dei quali, come nel viaggio dell'esistenza, si finisce con il diventare angeli e poeti da salvare dall'oblio, dalla dimenticanza.
Il lavoro procede per visioni, incontri, sogni in un mondo che sembra già appartenere alla confusa reminiscenza delle esperienze percorse in vita e in cui le figure qui intese con forte allusione alla pittura del fratello, dell'allievo, della madre e della ragazza suo amore lontano e giovane sono incidenti e corto circuiti del protagonista che stenta a riconoscerli ora che si presentano a lui come incidenti della mente e di un corpo in lotta con la malattia e con l'estraneità. Tutto è sbilenco, inclinato, fortemente segnato dal disequilibrio di un'anima e persino l'ospedale che lo accoglie è segnato da traiettorie oblique e dalla distorsione del sogno. E piegato a questa logica appare pure il tempo che non offre appiglio alla conseguenzialità narrativa, ma procede per divagazioni, sbalzi, sussulti così come avviene per il pensiero. In questo viaggio, come nella tradizione, il signor M. che non verrà mai qui chiamato per nome ma che condivide con K. di Kafka l'ostinata ricerca di un senso non è solo. Seguito, aiutato apparentemente da un Clown metafisico, da un ombra che spesso ordina gli avvenimenti con la magia come Cotrone e Prospero, e che presto avrà le sembianze di un Angelo nero e inesorabile nell'assecondare il destino di ogni uomo. E' a lui che M. inconsapevole si affida per compiere il suo ultimo viaggio.
Sullo sfondo Palermo, accennata per allusione e incanto, anch'essa colta come una costruzione di pezzi mancanti, il teatro luogo di risorsa e vitalità ma anch'esso segnato dal disfacimento dell'impossibilità, la famiglia vista come un frammentario luogo di affetti, ormai ricordo di una vita precedente.
Abbiamo tutti noi con pazienza costruito passo dopo passo questo itinerario fantastico e reale insieme, guidati dalle bellissime parole di Michele Perriera, un linguaggio qui concreto e allusivo insieme, spesso ironico e denso di significati ma vivo come serve al teatro. I suoi testi hanno generato le nostre immagini, hanno reso vitale la nostra esperienza, hanno lentamente preso il posto giusto ordinando il magma iniziale. Non so se è un omaggio al poeta, allo scrittore, al drammaturgo. E' sicuramente un dono che lui ci ha fatto e che noi abbiamo tentato di restituirgli, nella nostra piena autonomia e libertà creativa, una lettera d'amore scritta a lui e a nostro modo con le sue stesse parole. Un dono che abbiamo voluto tutti con grande intensità artisti, dirigenti e tecnici che ringrazio infinitamente, al di là di ogni parola. Un dono del Teatro Stabile di Palermo che ha con convinzione sostenuto questa produzione per non dimenticare un poeta e un maestro che è nato, vissuto e ha lottato in questa nostra città con la forza del sentimento e la vitalità della passione.

Claudio Collovà

di Heiner Müller

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Dario Ferrari, Nina Lombardino

aiuto regia Antonio Lo Bue, scene e costumi Rosalba Corrao, luci Giovanni Russo, prod. Liberiteatri, Goethe Institute Palermo, debutto Ottobre 2011, Teatro delle Balate, Palermo

Hamletmachine, foto Simona Scaduto

La fine di ogni utopia storica nei suoi freddi rantoli – grumo ossessivo di Hamletmaschine di Heiner Müller, uno dei testi più “aperti” e di maggiore suggestione del secondo Novecento – trova la sua trionfante agonia in un affascinante flusso sonoro e visivo nel quale la fine non finisce. Tutti i fondamentali motivi di Hamletmaschine, la morte della civiltà occidentale, l’esaurimento della cultura europea, il fallimento dell’intellettuale, dibattuto tra l’impossibilità di modificare la realtà e la volontà di trasformarsi in macchina al servizio di chi amministra lo stato delle cose, sono trasportati da Claudio Collovà – al debutto dell’interessante stagione del Teatro delle Balate, guidato con grande passione da Dario Ferrari e Nina Lombardino – in un inferno nel quale si guarda e ci si guarda con un misto di orrore e tremore, ma anche con un sottile senso di nascosta ribellione. «Io ero Amleto», così comincia Hamletmaschine, dove il protagonista è come un attore che, dopo la recita della tragedia shakespeariana, resta in scena ed improvvisa un suo monologo disordinato e claustrofobico, impastato delle più diverse citazioni storico-culturali. La tragedia di Amleto è morta o impossibile, e Amleto si fa paradigma della sconfitta, raccoglie su di sé tutti i disastri del pensiero, della filosofia, della politica, dei sistemi sociali, dei sentimenti, facendo del suo corpo d’attore un affresco allegorico, scosso, devastato, che rivela il cinico e corrotto scenario della storia. Se Hamletmaschine è un testo che sfida di continuo il rappresentabile, esso è stato riletto da Collovà con grande cura e studio delle lancinanti profondità in cui si dibatte Amleto e restituito con notevole nitore ed efficacia, sfrondando e sottraendo. Amleto è così corpo narrante della catastrofe, ombra di sangue che grida contro la repressione e le dittature che hanno soffocato l’uomo, spettro che trasforma la riflessione sui cocci infranti della storia in quadri allucinati in una scrittura disarticolata e frammentaria. Nella cupa scena ricolma di libri polverosi gettati alla rinfusa, simbolo di un sapere obsoleto, si sviluppa un percorso di folgorazioni lungo il quale s’infrange, risibilmente ma anche drammaticamente, ogni utopia illuministica o romantica e dove s’insinua il tarlo e l’inganno di un potere assoluto, sotterraneo o manifesto, che succhia ogni energia. Amleto è colui che prende coscienza della stupidità del potere, l’intellettuale vittima e responsabile ad un tempo, ambiguo e tetro, perverso e luciferino, come angelico ed innocente, alla vana ricerca di recuperare una identità perduta. Accanto a lui è rimasta solo Ofelia, contraltare femminile che ha seminato veleno e partorito mostri, complice ricamatrice di orditi, ma che è anche portatrice di una vaga nostalgica d’amore. Ofelia che mima la sua morte come una marionetta dolente vorrebbe, in fondo, catturare la vita, pallida parvenza di un’energia esaurita che cerca di sottrarsi ad un vuoto nichilismo senza speranze. Tutto lo spettacolo è una rarefatta pittura in movimento, attraversata da una trascinante e stridente colonna sonora, da imperiosi bagliori e sinistri tagli di luce. Una bella teatralità che suggerisce non la morte ma la vita del teatro, alla quale danno calore e sangue Dario Ferrari e Nina Lombardino.

Guido Valdini

dal Dedalus di James Joyce

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Salvatore Cantalupo, Alessandro Mor

scene Giulio Ceraldi, costumi Rosalba Corrao, luci Nino Annaloro, assistente alla regia Antonio Lo Bue, allestimento scenico Antonino Ficarra, direzione tecnica Filippo Pecoraino, macchinisti Edoardo Pacera, Mario Burgio, fonico Pippo Alterno, ufficio stampa Roberto Giambrone, foto di scena Franco Lannino / Studio Camera, prod. Teatro Biondo Stabile di Palermo, Fondazione Orestiadi di Gibellina, OfficineOuragan, debutto aprile 2011, Teatro Bellini, Palermo

Ulyssage #3 Artista da giovane

Artista da giovane è un’indagine sulla memoria. L’epoca degli accadimenti è già specificata nel titolo e oltre che un tempo indica una dimensione ben precisa dell’esistenza. Un tempo in cui convivono tensioni contrapposte: la vitalità spesso trattenuta e l’intensità con cui si avvertono impulsi creativi, espressioni di ricchezza e anche di dolore.
Ecco cosa dice Joyce:
«… L’artista come il Dio della creazione, rimane dentro o dietro o al di là o al di sopra dell’opera sua, invisibile, sottilizzato sino a sparire, indifferente, occupato a curarsi le unghie». L’artista da giovane non si cura le unghie, l’artista da giovane il più delle volte si tormenta le mani. Non sparisce, non rimane dentro o al di là o al di sopra dell’opera sua, né diventa invisibile, e soprattutto non sa sparire, e non sa rimanere indifferente. Sono partito dal Dedalus di James Joyce, il romanzo che termina il suo racconto là dove inizia l’Ulisse, per approdare a riflessioni sull’arte e sull’apprendimento. Nel suo bellissimo romanzo, Joyce racconta di una voluta e desiderata fuga dalle limitazioni di una educazione religiosa, trasmessa in modo coercitivo in un collegio di gesuiti, una sorta di extra-mondo, in cui si odono i propri passi come in un territorio alieno.
Tra le mura spesse dei princìpi, dell’educazione e dell’insegnamento, il nostro Artista sembra ripercorrere il destino di una figura mitica, quella di Icaro, che osò volare pericolosamente troppo in alto e troppo vicino al sole. Nel gesuita educatore ho visto polvere, conservazione, minaccia, violenza, e uno sguardo sul mondo vicino al ridicolo, in mostra nell’opaca trasparenza di una teca, come un fantasma in un armadio, una proiezione della mente, una fisicità distorta come in un sogno. Ogni ricordo della nostra infanzia è così isolato, esposto – ancora una volta ora che si è diventati adulti e si tenta di non perdere la giovinezza – alla fragilità del presente. Artista da giovane possiede la qualità di un flusso interiore, un ragionare con sé stessi, una incessante meditazione sulla creazione artistica tesa – com’è giusto – a Dio, senza mai raggiungerlo.
Questo è in tutto e per tutto un lavoro artigianale, di bottega, anche manuale. In questo senso, sono indispensabili le opere di un grande artista e anche lui, mio compagno di lavoro da tanti anni, Giulio Ceraldi, che ha progettato lo spazio dello spettacolo come una costruzione in itinere di una sua opera in parte realizzata a Gibellina. Un lavoro che ha la vitalità di un notturno febbricitante in cui pronunciamo parole da noi tutti condivise. Salvatore Cantalupo e Alessandro Mor tornano a lavorare con me dopo tanti anni, in una felice intesa che ha ritrovato nelle scoperte giorno per giorno un nostro comune senso di intendere il teatro.

Claudio Collovà

di Elias Canetti

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Valentina Alessi, Maria Alterno, Monica Andolina, Emanuela Barilozzi, Gabriella Beninati, Leonardo Campanella, Salvo Dolce, Davide De Lillis, Silvia Di Blasi, Claudia Di Ganci, Emiliano Favata, Hermina Fatyol, Valentina Glorioso, Riccardo Guratti, Lusiana Libidov, Antonio Lo Bue, Salvatore Lo Gelfo, Chicca Manca, Claudia Martino, Daniela Melluso, Chiara Messina, Maria Palazzo, Rosa Sironi, Valeria Rinella, Giulia Viviano

scene e costumi Claudio Collovà e Rosalba Corrao, video Filippo Pecoraino, luci Emanuele Noto, assistente alla regia Antonino La Tona, prod. Fondazione Orestiadi, debutto luglio 2010, XXIX Festival Orestiadi di Gibellina Baglio di Stefano (TP)

Massa e potere, foto di Nino Annaloro

Nel 1922, a Francoforte, lo studente diciassettenne Elias Canetti si trovò ad assistere a una manifestazione contro l'assassinio di Rathenau. Quel giorno egli sentì che la massa esercita un'attrazione enigmatica, qualcosa di paragonabile al fenomeno della gravitazione. Nelle sue memorie Canetti scriverà, a proposito della massa: 'E un enigma che mi ha perseguitato per tutta la parte migliore della mia vita e, seppure sono arrivato a qualcosa, l'enigma nondimeno è restato tale'. Il 'qualcosa' a cui qui si allude è Massa e potere, che apparve nel 1960, - quest’anno ricorre il 50° dalla data della sua pubblicazione - dopo trentotto anni di elaborazione in cui si restituisce del tutto, senza risolverlo ma addirittura ampliandolo, l’enigma della massa. Non si tratta di un affresco storico né di una tipologia sociologica ma di una serie di frammenti per pensare. Su questa serie di frammenti per pensare, noi abbiamo costruito il nostro spettacolo, prendendoci cura solo di alcune delle possibilità che Canetti presenta nella sua vastissima ricerca e analisi, e ce ne siamo nutriti con la massima libertà e arbitrarietà. Come Canetti non abbiamo giudicato la Massa, ma abbiamo attraversato in flusso esperienze fisiche ed emotive, collegandole tra loro attraverso un andamento musicale e allusivo che potesse spezzare ogni relazione di carattere narrativo. Frammenti e nulla più che appaiono e svaniscono all’orizzonte perché forse della realtà questo possiamo ambire a conoscere, un mucchio di immagini frante. La Massa qui presentata è in primo luogo quella sterminata dei morti, fissata in ingiallite fotografie d’epoca, specchio dei vivi. Massa è il panico di una porta chiusa, la nostra generatrice d’immagini, ed è la 'scena psichica' dell’individuo e non può esistere se non come contrappeso, cosmica 'paredra', di un'altra soverchiante entità: il potere. Masse costrette ad esodi e prigionia, in balia di ideologie ormai spente, di bandiere che sventolano lo spazio di un mattino nel tempo infinito dell’esistenza e che lasciano sul terreno cataste di corpi senza vita. Masse in abbondanza e privazione di cibo, pervase dalla necessità di crescere indefinitamente, di penetrare ovunque senza lasciare nulla fuori di sé, di coincidere - alla fine - con tutto ciò che esiste. Una eguaglianza «assoluta e indiscutibile», che la pervade dando unità alla molteplicità di sensazioni, esperienze, volontà con una unica direzione, il muoversi tutti insieme verso qualcosa, unica garanzia contro il pericolo sempre incombente del disgregamento. Masse religiose e festive, anticipatrici di eserciti in battaglia. In scena 26 attori, un gruppo di lavoro che ha condiviso esperienze di carattere fisico e biologico diventando tutti uguali e apparentemente indistinguibili a uno sguardo lontano. Sono nati così gli insiemi fisici, gli aggregati centripeti, la semplice vastità del numero. Moltiplicateci pure per cento, per mille, ogni anima che vedrete in scena le accoglie tutte e proverà ad accogliere anche le vostre. Per concludere le parole di Canetti che con il nostro tentativo abbiamo fatto nostre: l’unica forma di liberazione dall’impulso a sopravvivere distruggendo ciò che è diverso da noi «è per propria natura una soluzione riservata solo a pochi» e consiste in «un isolamento creativo che faccia acquistare l’immortalità»: l‘arte, il sapere, la cultura come sopravvivenza che non si nutre della morte altrui, anzi moltiplica e ricrea la vita: «Così i morti si offrono come il più nobile nutrimento ai vivi. La loro immortalità torna a vantaggio dei vivi: grazie a questo capovolgimento del sacrificio del morti, tutto prospera. La sopravvivenza ha perduto il suo aculeo e il regno dell’inimicizia è alla fine».

Claudio Collovà

dall'Ulisse di James Joyce

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Filippo Luna, Davide De Lillis, Alessandra Luberti, Claudio Collovà

scene e costumi Claudio Collovà, realizzazione artistica Rosalba Corrao, maschera Giulio Ceraldi, coreografia Alessandra Luberti, Dedalus Song Giacco Pojero, Nino Vetri, luci Nando Frigerio, aiuto regia Chiara Messina, prod. Teatridithalia Milano, Teatro Biondo Stabile di Palermo, esse p.a., OfficineOuragan, debutto febbraio 2010, Teatro Bellini Palermo, marzo 2010 Teatro Dell'Elfo Milano

Ulyssage #2 Uomini al Buio

Ho iniziato con molta emozione questo viaggio intorno all’Ulisse di Joyce. Sono partito del tutto arbitrariamente dal VI episodio, Ade\Il cimitero, lavorando sulla materia sepolcrale del testo. assorbendone gli infiniti rimandi e plasmandoli in assoluta autonomia. Ho lasciato che dentro di me si facesse il silenzio necessario per assorbire i mutamenti profondi delle atmosfere. dei linguaggi usati da Joyce e della sua scrittura erroneamente ritenuta astrusa. La scrittura è magica, e allo stesso tempo concreta. Ulyssage # 2, Uomini al buio, ripercorre il tema ancestrale della discesa agli inferi di due uomini in visita a un cimitero. Un numero infinito di morti, conficcati nella terra brulla del Novecento. Chi sono questi due uomini?
Stephen Dedalus e Leopold Bloom, i due protagonisti maschili della sacra famiglia joyciana, che con Molly Bloom completano la triade. Bloom compie il suo viaggio in uno stato di cecità spirituale, prima ancora che fisica. In questo brancolare disperato di un padre che cerca un figlio e di un figlio che cerca un padre, le due figure si moltiplicano agli occhi dello spettatore e, attraverso quella materia duttile e carica che è l’opera di Joyce, trovano un’esistenza che li rende affini. “Una storiella di una giornata”, nella definizione dello scrittore. Joyce mi ha portato infinite suggestioni: sotto i miei occhi, queste due figure sono diventate ora i becchini dell’Amleto, figura assimilabile a Dedalus per azioni e destino, ora piccoli pensatori che discutono di putrefazione e sorvolano il mondo abbracciati in un unico battito d’ali. Esiliati da casa, che entrambi lasciano alle otto di mattina e senza chiave, praticamente sfrattati dalla propria steessa volontà, in questo mio lavoro finiscono con l’incontrarsi al cimitero. Accompagnati nella loro peregrinazione da un Angelo presto dimenticato e seppellito. Al capezzale di un Angelo, così come Bloom è al capezzale di Molly, una morta in vita, almeno nel suo cuore. Dal suo punto di vista colmo di rimpianto e di fuga.

Claudio Collovà

VI Episodio - Ade/Il cimitero dall'Ulysses di James Joyce

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Filippo Luna, Davide De Lillis

scene, costumi, luci Claudio Collovà, aiuto regia Chiara Messina, foto di scena Nino Annaloro, ufficio stampa Alessia Franco, prod. Esse p.a., Officine Ouragan, Teatro Biondo Stabile di Palermo, debutto marzo 2009, Teatro Bellini, Palermo

Ulyssage 1 Ade - foto di Nino Annaloro

Bloom - 'Guarda un po’ quante cose possono fare. Leggere con le dita. Accordare pianoforti. ...Uomini al buio li chiamano.'

La mia ipotesi di lavoro è centrata su un dettaglio - per me molto importante - dell'enorme tela pittorica dell'Ulysses di James Joyce. Intendo procedere, come il suo più ignoto personaggio, in cecità. Questi è un cieco, di giovane età, e cammina con un esile bastone per le vie di Dublino, accorda un pianoforte in un bar in cui verranno cantate canzoni di disillusioni, abbandoni amorosi e tradimenti, è in ignoto - tredicesimo in fila a un funerale - e compare ancora una volta nei pensieri del protagonista Bloom in Itaca, episodio lontano. Questo personaggio così esile narrativamente, è - per questa mia ricerca - diventato fondamentale e rappresenta il primo oggetto da cui partire per una serie di studi performativi e spettacoli autonomi sull'Ulysses. Angelo della morte che aleggia sui vivi. Ci si imbatte in lui all'improvviso e se si segue il suo tragitto e la sua astratta traiettoria dalla sua prima comparsa a quando esce definitivamente di scena, egli risulta poco più che una comparsa in un film.
Il reiterato attraversare la scena del ragazzo cieco non è un fatto casuale: è lui che, cieco strumento del destino, sembra accompagnare Bloom verso l'amara consapevolezza dell'infedeltà di Molly. Le sue sporadiche apparizioni, pari a quelle degli angeli nei loro rapporti con gli essere umani, vivono per lo più con una ignota identità e costellano di interrogativi l'intera narrazione.

Claudio Collovà

dal 'King Lear' di Shakespeare

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Carmelo, Cristian, Emilian, Fabrizio, Francesco, Giuseppe, Marco, Pietro, Leonardo, Alessandro, Dimitri, Fabrizio, Gianluca, Ion

laboratorio musicale Giacco Pojero e Nino Vetri, laboratorio di movimento Alessandra Luberti, laboratorio scenografico Massimiliano Pipi, laboratorio costumi Francesca Pipi, laboratorio multimediale, Playmaker, aiuto regia Marie Lelardoux, partecipazione ai laboratori scenografic e di costumi Davide, Francesco, Francesco, Marco, Emilian, Fabrizio, Samir, Giuseppe, Alessandro, Claudio, Andrea, Antonio, Salvatore, Hamza, Masori, Said, Toni, collaborazione al lavoro teatrale Anna Favuzza, Claudia Martino, Ilaria Palermo, Daniela Mangiacavallo, tutor Claudia Lo Castro, Daniela Sorrentino, Marco Sorrentino, foto di scena, Maurizio Buscarino, Federico Buscarino, (per Electa) Enzo Di Cristina, ufficio stampa OfficineOuragan Alessia Franco, direzione del progetto Claudio Collovà, prod. Euro, Ministero di Giustizia Dipartimento minori e di Comunità, Centro giustizia minorile Sicilia, Istituto Penale Minori Palermo, debutto luglio 2007, Teatro Polis IMP Malaspina, Palermo

Quel che resta del mio regno, foto di Maurizio Buscarino

Sono moltissime le persone che devo ringraziare per la riuscita di questa avventura all’interno di un luogo che ha deciso - ancora una volta con grande sensibilità - di aprire le porte al teatro. E mi è difficile, se non impossibile, ripercorrere con la memoria tutti i momenti che abbiamo vissuto insieme ai giovani dell’IPM di Palermo. Ora che il sogno ha preso il posto della fatica dei numerosi laboratori artistici e tecnici che si sono succeduti in due anni di lavoro e dell’allenamento quotidiano e sembra che ogni respiro sia al posto giusto come per incanto, molto resta ancora da fare. E questo molto riguarda il futuro, le nuove possibilità di arrivare a una totale evasione dalla realtà. Perché questo abbiamo anche cercato di fare: dare e ricevere dai nostri giovani compagni di lavoro un serio divertimento che possa essere trasmesso a chi ci guarda, con l’emozione di chi ha lottato duramente per raggiungere questo – per noi felicissimo – traguardo. Quel che resta del mio regno usa il linguaggio dell’avanspettacolo e della farsa popolare, in cui distrazioni e imprecisioni vengono spesso inglobati come materiali essenziali e significativi. Nel nostro spettacolo tutto sembra concentrarsi sul tema dominante dell’eredità e della conflittualità tra fratelli. I nostri attori sono vestiti come in una famiglia aristocratica siciliana dell’Ottocento, molto povera ormai, quasi come in Miseria e nobiltà, e il regno è ridotto a una misera stanza dai muri scrostati e con una finestra, come una unica apertura verso il mondo. Una finestra che si sporge in una stanza e da cui si può guardare verso l’orizzonte da una prospettiva capovolta. E la nostra tragedia è capovolta, così come nel mondo di Lear. I figli si sono moltiplicati, non sono più tre, ma sembrano trecento e i loro comportamenti hanno la petulanza del nostro popolo e i comportamenti di clown irriverenti e insofferenti verso l’autorità paterna. Non c’è nessuna ricchezza da spartire in Quel che resta del mio regno e il concetto di eredità viene subito negato, ‘vuole dividere quello che ha, ma che ha ?’, dicono i figli e i piatti dei pasti sono vuoti, il caffè è svaporato in gesti meccanici, la terra ha la sostanza della carta straccia. Il Re Lear dorme e non ha memoria, ha dimenticato, e quando appare in scena all’inizio ha le sembianze di una marionetta. Qui il nostro re si nasconde camuffato tra il popolo per ascoltarne le proteste, il re dorme mettendo a repentaglio la sua vita affidandola a mani di traditori, il re recita più che vivere la sua autorità, il re muore a causa delle sue stesse decisioni, il re non sopravvive alla forza d’urto del suo popolo. E il nostro popolo appare come una famiglia di naufraghi in mare aperto e i numerosi sbandamenti somigliano alle capriole dei saltimbanchi su una zattera le cui assi sono tenute insieme dall’ironia e dalla risata. Le canzoni e la drammaturgia sono tratte da varie fonti, prima di tutto dal King Lear di Shakespeare, ma molto è stato creato in sala prove con la creatività di tutti. Invenzioni che si sono succedute a ritmo serrato durante il periodo di prove, e che hanno reso concreto il senso delle singole scene. Ai ragazzi devo molte invenzioni linguistiche e molte soluzioni canore ed è stato un bene avere nel King Lear solo un testo di partenza e attendere che il nostro si materializzasse per incanto in scena. Il Re Lear, padre stanco e desideroso di approdo, ha messo in commedia la sua tragedia, disputando la sua esistenza con una famiglia numerosa e ribelle, poco incline al rispetto per l’assurda decisione di smembrare ciò che si possiede. “Dividi dividi separa questa terra, vedrai come la pace la trasformiamo in guerra’’, cantano i figli che già tramano l’uno contro l’altro il giorno dopo. Lear muore colpito da un fulmine durante la tempesta che è costretto ad affrontare per l’insolenza e l’avidità dei figli, e il mondo appare ancora una volta capovolto.

Capovolto come il nostro lavoro ha cercato di fare, viaggiando lontano e attraversando i muri come solo nei sogni si può fare.

Palermo 12 dicembre 2007

Un vivo ringraziamento per l’attenzione al nostro lavoro al Dott. Michele Di Martino (Direttore Centro di Giustizia Minorile della Sicilia), alla Dott.ssa Rita Barbera (Direttore Istituto Penale per i Minori di Palermo), Dott.ssa Clara Pangaro e Dott. Salvo Pennino e tutto lo staff degli Educatori, al Comandante della Polizia Penitenziaria Luca Mantini e a tutti gli Agenti di Polizia Penitenziaria per la loro gentilezza e pazienza, e infine ad Alfio Scuderi, direttore artistico del Palermo Teatro Festival che ha portato il festival dentro l’Istituto. Condivido infine questi ringraziamenti con l’Associazione Euro che ha reso possibile tutto questo.

Claudio Collovà

da Shakespeare, Mueller, Rilke, Majakovskij

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Constantin Lupescu, Simona Popescu, Coca Bloos, Avram Birau, Mihaela Radescu

scene Andrew Walsh, costumi Velica Panduru, assistente alla regia, Alexandru Mihaescu, assistente scenografo, Dan Titza, direzione artistica Teatrul Mic Mihai Dinvale, debutto ottobre 2006, Teatrul Mic (Piccolo Teatro), Bucarest, Romania

Hamlet Album de Familie, foto di Nino Annaloro

Elsinore è una piccola prigione, con una finestra centrale aperta sull’oscurità. Una stanza coperta di libri, che molto tempo prima erano leggibili e utili. Una stanza abitata da un ridotto nucleo familiare: Amleto, Ofelia, Gertrude e Claudio. I morti della tragedia, quelli che non sono sopravvissuti alla violenza. Con loro, un personaggio d’invenzione chiamato Calauza (traghettatore potrebbe essere una possibile traduzione), letteralmente atterrato in questo mondo claustrofobico per testimoniare, proteggere, ricordare. E soffrire per il loro oblio. Un album di famiglia di poche pagine e l’opera fotografica del ceco Jan Saudek, come principale fonte d’ispirazione.
Questo è stato il punto di partenza del nostro lavoro. Le immagini hanno significato tutto all’inizio. Ma le visioni coagulano la forma, le azioni, i conflitti, le parole, così la narrazione di Shakespeare è rotta in frammenti d’esistenza, la sua storia giudicata insufficiente alla comprensione e noi abbiamo usato l’immaginazione per andare oltre la realtà del testo. Hamletmachine di Müller per distruggerlo, le parole di Rilke da I quaderni di Malte Laurids Brigge per sospenderlo, la poesia di Majakovskij La nuvola in calzoni per trasformarlo in una protesta contro l’orrore del nostro tempo e, naturalmente Shakespeare, compresso, allusivo e aperto a personali interpretazioni. ‘Il resto è silenzio’. E’ la prima volta che mi accade di lavorare con un teatro e con attori rumeni. Un viaggio intenso, profondo, un’esperienza emozionante. Ho imparato molto dal loro coraggio, sensibilità, arte. E’ molto difficile tradurre in parole i miei sentimenti a riguardo. Il solo pensiero ha di nuovo a che fare con l’idea di famiglia. Il mio più grande ringraziamento a tutti loro, dal profondo del mio cuore, soprattutto per avere avuto tanta fiducia in me. E grazie alla mia città per avere deciso di rendere visibile questo nostro tentativo anche in Italia.

Claudio Collovà

di Salvo Licata

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Lollo Franco, Francesco Benedetto, Costanza Licata, Rori Quattrocchi, Paola Roberti, Claudio Tombini

scene Filippo Pecoraino, costumi Francesca Pipi, luci Andrea Narese, prod. Festival Salvo Licata, debutto aprile 2006 Teatro Nuovo Montevergini, Palermo

Cagliostro, foto di Nino Annaloro

Gli ultimi anni della sua vita, Cagliostro li trascorse murato vivo nella fortezza di San Leo, allora Stato della Chiesa. Condannato dall’Inquisizione al buio, alla solitudine e all’immobilità. Per un uomo che aveva passato gran parte della sua vita in viaggio da una corte all’altra d’Europa ed in costante contatto con i suoi simili, la sua sopravvivenza - durata più di quattro anni ed in preda alla sifilide - ha del miracoloso.
Dalla sua segregazione, punto estremo della sua fragilità fisica e morale, siamo partiti per un viaggio di visioni, allucinazioni e illusioni. Il Settecento è stato, del resto, un tempo in cui, proprio in opposizione all’arrivo dell’Illuminismo, del razionalismo e della negazione del soprannaturale e dello spirituale, si credeva e si poteva credere a tutto. Magia e alchimia comprese. Il suo secolo gli ha per buona parte creduto e a noi è sembrato naturale mostrarglielo in tutta la sua ludica violenza proprio quando un muro si alzava alto alle sue spalle. Nessuna visione è più chiara quando a trasmetterla sono occhi costretti a sollevare il lembo della realtà. Così ogni altro incontro è stato possibile: con la sua coscienza, con la madre, con Serafina - suo unico grande amore -, con l’Inquisizione, con il sadismo, con la malattia e infine con la morte.
Il materiale di Salvo Licata si è trasformato durante il percorso, dando vita ad una nuova scrittura scenica, ripartendo dalle innumerevoli fonti - Photiadès, Kuzmin, il Memoriale, Carpi, Mirabeau -, dagli scritti della Libera Loggia dei Muratori e da tutte le altre fonti che avevano contribuito alla stesura. Noi abbiamo aggiunto Goya, Fellini e la nostra contemporaneità.
Palermo appare nell’estremo respiro di vita, e a Cagliostro - che aveva tutta la vita negato di essere Giuseppe Balsamo - cade l’ultima maschera, svelando il suo vero volto trasfigurato dal dolore.
Nasce così una nuova versione del Cagliostro dei Buffoni, che noi abbiamo semplicemente intitolato Cagliostro. Una versione cui hanno contribuito tutti gli artisti coinvolti - ognuno con la propria specificità - con grandezza d’animo e spirito di gruppo. E con lo stesso spirito ci auguriamo di portare il nome e la scrittura di Salvo Licata in giro per l’Europa, ripercorrendo, non solo idealmente, le tantissime città in cui il Conte ha soggiornato.
“Del resto, la legge dei sognatori non è quella scritta!”, dice il Conte per mano di Licata. Siamo tutti d’accordo con lui.

Claudio Collovà

da Le troiane di Euripide, un progetto di Claudio Collovà e Andrew Walsh

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Loretta Antonella, Alessandra Giacomini, Laura Graziosi, Alessandra Luberti, Simona Malato, Tiziana Marsili Tosto, Rosetta Martellini, Monia Papa, Stefano Tosoni

scene e costumi Andrew Walsh, coreografia Alessandra Luberti, luci Massimo Barbini, assistente alla regia Stefano Tosoni, scenografo realizzatore Niba, costumista realizzatrice Manuela Sala, organizzazione Francesco Giarlo, prod. Hangar Ancona, Festival di Polverigi, debutto ottobre 2005, Unidram Festival, Postdam Germania

Donne in tempo di guerra, foto di Nino Annaloro

Come dolci sono le lacrime per chi si trova nella sventura e i pianti luttuosi, e la poesia che contiene dolori. (Le Troiane, vv. 608-9).
‘Le troiane’, fra tutte le tragedie di Euripide, è quella più politica, carica di un messaggio antibellicista e anti-imperialista, e la meno convenzionale nella forma usata, poiché i conflitti tra i personaggi e in modo più generale il tema del conflitto è, per la prima volta in una tragedia greca, ridotto drasticamente: tutto è già avvenuto, la guerra appartiene al passato e la scena è dominata dal lamento e dalla sofferenza per una nuova esistenza ancora da venire. E, naturalmente, il sentimento di lutto non è confinabile alle sole donne troiane. La guerra non è solo quella di Troia, come la storia ci ha tragicamente insegnato.
Nelle Troiane l’unità della tragedia è costituita dal pianto con cui le donne danno sfogo al loro dolore. Quello che dice il Coro può valere in generale per tutti gli uomini: ogni uomo che sia colpito dall’infelicità può trovare sfogo nelle lacrime. Ecuba, nella parte iniziale della tragedia, per dar sfogo al suo dolore, dice: “Anche questa è poesia per gli infelici, far risuonare le loro tristi sventure.” La poesia di cui parla Ecuba è il canto di dolore che le donne troiane fanno risuonare sulla scena. Sembra proprio che Euripide teorizzi la ‘poetica’ del pianto e vada con coraggio oltre la misura consentita. Le varie vicende dolorose si susseguono incalzanti e senza concedere un momento di pausa e di sollievo: la terribile immagine di Ettore trascinato intorno alle mura da Achille, quella di Cassandra che inutilmente si sforza di avvertire l’umanità del terrore a cui va incontro, la scena in cui il piccolo Astianatte viene strappato alla madre – quella di Andromaca è forse la scena più straziante di tutta la letteratura tragica – o infine quella di Polissena, da me arbitrariamente aggiunta, sacrificata sulla tomba di Achille per volere dei vincitori.
Chi vive la condizione di prigioniera, privata di ogni bene e destinata a schiavitù, non è in grado di tenere la realtà sotto controllo, ma è in uno stato di passività di fronte a un destino che l’ha sopraffatto e continua a soggiogarlo. Questo incalzare di esperienze angosciose culminano con esplosioni di dolore e di disperazione, nelle quali traspare il desiderio di morte. Lo sbocco più naturale in una situazione del genere è il pianto, espressione di un insufficiente controllo della realtà esterna, impossibilità di dominare il dolore dell’esperienza: una concezione disperata e senza la possibilità di sbocchi ‘risolutori’, una situazione senza prospettive, che Euripide ha inteso rendere in tutta la sua esasperazione.

Claudio Collovà

di Georg Büchner

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Alessandra Luberti, Giuseppe Massa, Simona Malato, Alessandro Mor, Piera Pavanello, Luigi Di Gangi

scene e costumi Mela Dell'Erba, ideazione luci Andrea Narese, assistente scenografo Simone Mannino, realizzazione costumi Roseli Pereira, assistente alla regia Paolo Cinquemani, prod. OfficineOuragan, Teatro Garibaldi Unione dei Teatri di Europa, debutto agosto 2005, Teatro Garibaldi Palermo

Woyzeck

Marie e Woyzeck. Solo loro, moltiplicati in coppie significativamente somiglianti. Nessun altro personaggio nel 'Woyzeck' possiede un nome.
Gli unici che lo hanno sono anche quelli che non sopravvivono. Lei assassinata, lui impiccato nella pubblica piazza. Tutti gli altri personaggi sono evocati e materializzati in una comunità che si manifesta di volta in volta come forza devastante e che appare e scompare, sottraendosi e aggiungendosi a un luogo circoscritto, sotto forma di allucinazioni, come un vortice di figure e di forze anonime.
Tutto il testo di Büchner viene attraversato e ognuna delle scene è trattata come un centro esplosivo, autonomo, coerentemente alla manifesta frammentarietà degli episodi. Scene che si manifestano con un attacco concentrico, con il quale il soggetto Woyzeck viene fatto saltare e raso al suolo, e con lui la sua Marie. Sebbene l´Imbonitore, il Capitano, il Dottore, l´Ebreo, il Tamburmaggiore vivano evocati, e siano presenti nel presente delle vittime, essi appaiono morti in un luogo di morte, in cui tutto è già avvenuto e torna a ripetersi in una visione eternizzante. 'Questo posto è maledetto... - dice Woyzeck - Silenzio. Tutto silenzio. Come se il mondo fosse morto'.
L´idea della serialità nasce dalla constatazione che tutto l´insieme dei ritratti finisce con il formare una Comunità in grado di agire anche come forza massificata, oltre che come esistenza dell´individuo.
E´ la `doppia natura´ di cui parla ingenuamente Woyzeck, subito messo a tacere dal Capitano con l´accusa di stare filosofando. Le scene sono spiate, avvertite, subite, ascoltate e non solo agite. Ho cercato e sto cercando di organizzare i persecutori. Questa idea - che ha avuto fin qui attivazioni concrete in più di uno studio (Stoccarda, Ancona, Palermo e Milano) - è sempre stata supportata dalle parole di Büchner. 'Mi sentivo come annientato dall´orribile fatalità della storia. Nella natura umana trovo un´uguaglianza terribile, concessa a tutti e a nessuno. Il singolo è soltanto spuma nell´onda, la grandezza un puro caso... Il deve è una maledizione con cui l´uomo è stato battezzato...Cos´è che in noi mente, uccide, ruba?' Suicidati dalla società e anche da se stessi. 'Ogni uomo è un abisso; vengono le vertigini a guardarci dentro'.

WOYZECK A Lipsia, nel 1821, un barbiere dell´esercito, un certo Johann Christian Woyzeck, uccide l´amante a coltellate sostenendo di aver avuto l´ordine e l´arma da misteriosi demoni. Viene subito condannato e decapitato. Qualche anno dopo, nel 1836, un ragazzo poco più che ventitreenne di nome George Büchner (poeta, scienziato, rivoluzionario, che morirà poco prima di compierne ventiquattro), si ispira agli atti di quel processo per concepirne un dramma, che rimarrà incompiuto, dal titolo 'Woyzeck'.

Claudio Collovà

una produzione video, soggetto e sceneggiatura di Claudio Collovà

regia di Claudio Collovà e Martino Lo Cascio, con Roberto Barbanera, Filippo Cammucca, Dussema Ben Jelassi, Vincenzo La Duca, Riccardo Madonia, Piero Perez, Carmelo Testagrossa, e con Giuseppe Massa, Giuseppe Tarantino, con la partecipazione della danzatrice Sabah Benziadi, altri interpreti Enzo Affronti, Oussoumane Kouyate, Antonio Principato

laboratorio video Giuseppe Filiberto, Anatoli Gebbia, Angelo Ingrassia, Francesco Lino, scene e costumi Rosalba Corrao, laboratorio di movimento Simona Malato, direttore della fotografia Laura Schimmenti, Gianluca Donati, suono Gianluca Donati, montaggio Laura Schimmenti, musica Aminata Doumbia, Mohamed El Badawl, assistente alla regia Elisabetta Mancuso, grafica Filippo Pecoraino, prod. Cooperativa Teatrale Dioniso, Ministero di Giustizia, Città di Palermo, CGM Sicilia, IPM Palermo, USSM Palermo debutto: febbraio 2004 Spazio Ducrot, Cantieri Culturali alla Zisa, Palermo

Africa Africa Africa

Questo breve film nasce da una riflessione condotta in carcere con un gruppo di minori. Eravamo alle prese con la lettura di certi argomenti di attualità trattati in modo inusuale nella stampa alternativa. Era un tempo di sbarchi numerosi e spesso tragici provenienti dall’Africa. Non tutti erano d’accordo sull’accoglienza. Si cercava di capire meglio leggendo opinioni non allineate, discutendole partendo da punti di vista che non fossero l’espressione di un pensiero unico. Sebbene si fosse d’accordo sulla solidarietà da offrire, non era facile trovare una soluzione. L’intuizione, come spesso accade, quando lavoro con i minori ristretti, avvenne per caso guardando la foto di un gommone in difficoltà in mare aperto. “Ma chi ci vennu a fare? – disse Marco –Io m’innissi in Africa, no ca’ vinissi ca!”. Il film che decidemmo di girare su una sceneggiatura scritta partì da questa esclamazione di insofferenza. Un gruppo di impiegati costretti al lavoro forzato di copisti su delle macchine da scrivere – pura archeologia della tecnica – pur di evadere da quel lavoro, contattano un trafficante di uomini e affrontano a loro spese un viaggio su una barca fatiscente sperando di sbarcare in Africa. Lì vengono ospitati senz’acqua, senza bagagli e con il rischio di affogare. Viene citata la bellissima poesia di Enzensberger, da ‘La fine del Titanic’ sull’immagine dei loro corpi stesi sul ponte. Sbarcano in Africa, o almeno in quello che credono il continente nero, e dopo un lungo viaggio su di una lapa per le strade sterrate della nostra periferia sud, si ritrovano presto davanti a una saracinesca da cui si sente provenire un rumore a loro molto familiare. L’inganno è presto svelato con l’inquadratura che li vede come sempre al loro abituale lavoro in ufficio. Un tragitto che li ha riportati indietro, al loro punto di partenza, senza che si siano mossi da casa.

Claudio Collovà

di T.S. Eliot

uno spettacolo di Claudio Collovà, traduzione di Alessandro Serpieri, con Claudio Collovà, Paola Lattanzi, Alessandra Luberti, Simona Malato, Giuseppe Massa, Alessandro Mor, Giacco Pojero, Rori Quattrocchi, Marina Remi, Nino Vetri

scene Antonio Micciché, coreografia Alessandra Luberti, musiche Giacco Pojero e Nino Vetri, luci Nando Frigerio, costumi Paola Basile, assistente alla regia Paolo Cinquemani, assisitente scenografo\attrezzista Maria Rosalba Corrao, foto di scena Nino Annaloro, una coproduzione Teatridithalia Milano, Teatro Biondo Stabile di Palermo, OfficineOuragan, debutto Aprile 2003, Teatro Bellini Palermo

La Terra Desolata, foto di Nino Annaloro

Quelle torri crollanti continuano ancora oggi a schiantarsi al suolo. La parola profetica di Eliot non è mai sembrata tanto reale quanto oggi. Forse gli americani la riesumeranno dagli scantinati. La Waste Land del presente ci riporta a rileggere storditi queste pagine, quale civiltà potrà risorgere dalle nostre macerie?
Ho scelto di lavorare a La terra desolata perché, oltre ad essere l’opera poetica più grande e discussa del novecento, da sempre, fin dalla prima lettura risalente ai miei studi universitari di anglista, l’ho ritenuta un luogo affollato di personaggi teatralmente vivi, rappresentabili concretamente sullo spazio scenico. Non oggetti ineffabili, ma strumenti adatti a raccontare la normale esperienza umana. Per comprendere appieno il significato simbolico dell'opera sarebbe necessario far riferimento almeno a Ovidio, Dante, Chaucher, Shakespeare, Il ramo d'oro di Frazer e Il paradiso perduto di Milton, l'opera monumentale Ritual to Romance di Jessie Weston e i miti e i riti legati alla leggenda del Santo Graal. La terra desolata è, infatti, piena di citazioni, ma a me sembra che la forza dirompente di un carico immaginativo così denso abbia il merito di sopravvivere anche ad una percezione meno colta e cosciente, che conceda con coraggio ai sentimenti la precedenza sui propri pensieri, producendo’una particolare liberazione della volontà’ (Richards). Credo che questo possa anche essere il compito del teatro e dell’arte in genere.
Il senso de La terra desolata, come si può intuire dal titolo, è l'incapacità di rigenerarsi della vecchia e attuale società occidentale in cui il bagaglio culturale è soltanto qualcosa di vecchio e inutile, la religiosità affoga tra superstizioni e convenienze, e l'unico culto è quello del piacere immediato, la parola ha perso significato e i dialoghi sono spesso futili e privi di comunicazione. Oggi più che mai, inoltre, all’inizio di questo secolo, la contemporaneità dell’opera è altissima e purtroppo è immutata nel tempo nei suoi aspetti più tristemente profetici.
L’elemento drammatico è presente nella poesia di Eliot nella galleria di personaggi in azione o, come nel caso della Sibilla Cumana, nell’immobilità eterna, nei ritratti vivi e realistici della Dattilografa e dell’Impiegato foruncoloso, della chiaroveggente Madame Sosostris, dell’Oste, di Sweeney, delle donne del pub londinese, delle coppie di amanti sterili, di Tiresia, testimone dello sfacelo odierno, per citarne solo alcuni: ritratti anche brevi, frammentari e impersonali che riflettono un mondo di solitudine o che presentano frammenti d’esistenze quotidiane molto sintetizzate con segni quasi unicamente pittorici, in un ambiente e in un’atmosfera di degradazione e di dissociazione morale cui la nostra realtà contemporanea ci ha ormai abituato. Questa è forse la più grande motivazione del mio progetto: La terra desolata parla di ciò che accade oggi e lo racconta nell’unico modo possibile, con una sorta di zapping ante litteram.
Il mio interesse è rafforzato quindi dalla particolare struttura del poema, la cui organizzazione può essere chiamata, per analogia, musicale. Teatralmente, ma solo apparentemente, sembra non mostrare alcun sviluppo ed è quindi di grandissimo interesse anche per una sperimentazione che riguarda il metodo compositivo di un teatro libero, emotivo, non strettamente riproduttivo o narrativo.

Claudio Collovà

da Il Castello di Franz Kafka

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Gabriele Benedetti, Salvatore Cantalupo, Franco Ravera, Edoardo Oliva, Giacco Pojero, Nino Vetri, Andrea Ruggeri, Luigi Di Ganci, Giuseppe Massa, Antonio Lo Presti, Maria Castronovo, Simona Malato, Alessandra Asuni, Antonella La Spina

, scene e costumi Mela Dell’Erba, assistente alla regia Antonino Marino, assistente scenografo Simone Mannino, luci Andrea Narese, realizzazione costumi Atelier Alloro – Agostina Nuccio, Roseli Pereira, prod. Teatro Garibaldi Unione dei Teatri d’Europa e Associazione Culturale Cartesiana, debutto luglio 2002, Teatro Garibaldi Palermo

K l'Agrimensore, foto di Nino Annaloro

“Non occorre che tu esca di casa. Resta al tuo tavolo e ascolta, non ascoltare nemmeno, aspetta soltanto. Non aspettare nemmeno, rimani solo e in silenzio. Il mondo verrà da te a farsi smascherare, non può farne a meno, e rotolerà estatico ai tuoi piedi”
“Qui nessuno riesce a passare e men che mai con il messaggio di un morto…Tu però siedi alla tua finestra, e al messaggio dai vita nei tuoi sogni, sul far della sera”
Il primo frammento è un aforisma, e il secondo è la conclusione del racconto Un messaggio imperiale, quasi l’incipit de Il Castello di Franz Kafka. Entrambi i frammenti invitano all’immobilità fisica ed alla mobilità del sogno. Quando infatti l’agrimensore K. fa la sua comparsa nel villaggio, come un uomo senza passato, è subito chiaro che un viaggio ha avuto inizio. Da quel momento in poi, tutti i suoi sforzi – legittimi e illegittimi – saranno tesi a raggiungere il Castello, ma in questo suo faticoso itinerare, per quanto cammino percorra, egli rimarrà ad un’infinita distanza dalla meta. Ogni strumento che nella realtà serve all’orientamento, qui diventa inutile e K. pretende di aggirarsi in un mondo governato da un’autorità capricciosa e dispotica con la bussola del buon senso e della logica.
K. è solo, e la musica dell’uomo solo appartiene a tutti gli uomini – lo dico con ironia – che hanno coscienza dell’esistenza. La lotta che K. intraprende invece, disperata e caparbia, assomiglia al dibattersi di un insetto caduto nella tela di un ragno. I suoi gesti inconsulti non allentano le maglie della rete, ma aggravano sempre più e in misura crescente la sua condizione di prigioniero. Eppure la sua è una richiesta apparentemente legittima: aspira ad essere ammesso in una comunità, trovare salvezza, accoglienza, riposo dopo un lungo e laborioso travaglio. Non legittimo è credere o sperare che questa ambizione, sia nel naturale ordine delle cose, e che un viaggio come questo possa essere vissuto senza terribili conseguenze, la prima delle quali è quella di muoversi in mezzo a frammenti di vita che non si unificano. K. – come tutti i suoi simili – conosce soltanto un mucchio di immagini infrante e passa la vita a tentare di dare un ordine a ciò che non può essere ordinato. Nel mio tentativo di dare ordine alla vertiginosa quantità del material del romanzo, ho deciso di operare delle scelte radicali, concentrando la mia attenzione sull’aspetto a me caro del realismo fiabesco, in cui il farsi e il disfarsi delle cose secondo un impianto di ambienti mobili, asseconda l’idea dei personaggi, immersi in un’atmosfera che li trascolora e li trasforma costantemente. La drammatica semplicità degli eventi, anche se frutto di uno sguardo che non sa né vuole mettere a fuoco la realtà, lascia K. fuori dal castello, in balia di sé stesso e delle sue visioni…

Claudio Collovà

dal King Lear di William Shakespeare

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Giacco Pojero, Nino Vetri, Alessandra Luberti, Simona Malato

musiche Giacco Pojero, Nino Vetri, scenografie Dario Moretti, realizzazione costumi Paola Basile, organizzazione Cetti Spinosa, prod. Sentieri Sensibili Mantova e OfficineOuragan, debutto gennaio 2002, Teatro della ferrovia di Mantova

La Famiglia, foto di Nino Annaloro

Fra tutte le tragedie familiari di Shakespeare, quella del Re Lear è di gran lunga la più pietosa e la più patetica.
Nessuno, tra i grandi ruoli, sopravvive. Muoiono il vecchio Re, le sue tre figlie e, tra gli altri, Edmondo, autore del complotto ai danni del padre Gloucester. Non c’è lieto fine né catarsi. Su questi morti ho incentrato il mio studio e ho collocato la tragedia in uno spazio circolare che vagamente allude a una gabbia di uno zoo, e che ha lo scopo e il merito di tenere tutti i personaggi sempre presenti nel recinto dell’azione. Il nucleo familiare è quello principale: il vecchio Re Lear e le figlie Gonerilla e Regana e, come oscuro manovratore, Edmondo, che è deciso ad impadronirsi della corona e che considera i vincoli della parentela solo come ostacoli al raggiungimento del proprio fine. Personaggi in cattività, ostaggi del proprio destino, costretti a vivere in prigione, come uccelli in gabbia.
La catastrofe è per loro inevitabile, ma nel Re Lear, diversamente dalle altre tragedie, non tutto ciò che accade sembra inevitabile. Anzi, non tutto il dolore è neppure sufficientemente motivato. La catastrofe sembra espressamente concepita per cadere all’improvviso come un fulmine che piombi inatteso da un cielo ormai schiarito dalla tempesta, così come avveniva in un tempo triste, non troppo lontano, in cui le decisioni funeste arrivavano nelle case delle famiglie italiane attraverso la voce sinistra e perentoria di un dittatore.
Che tutto questo avvenga in Sicilia, questo si, è per me inevitabile.

Claudio Collovà

da I drammi celtici di W.B. Yeats

traduzione, drammaturgia e regia di Claudio Collovà, con Yagora Ben Halì, Daniele Blunda, Serena Cavalieri, Anna Dego, Andrea Del Giudice, Mario Di Benedetto, Manila Flandìna, Antonella Formisano, Gaspare Giammona, Alessandra Luberti, Simona Malato, Giuseppe Massa, Alessandro Mor, Edoardo Oliva, Giacco Pojero, Roberto Vaccaro, Anna Paola Vellaccio, Nino Vetri

scenografia Filippo Pecoraino, musiche Giacco Pojero e Nino Vetri, lavoro sul movimento e coreografia Alessandra Luberti, costumi Paola Basile, progetto video Antonio Bellia, Giacomo Iuculano, foto di scena Nino Annaloro, assistente alla regia Alessandra Cassinelli, assistente scenografia Elisa Parrinello, collaborazione tecnica Vincenzo Troia, scenotecnici Gaspare Giammona e Yagora Ben Halì, prod. OfficineOuragan, debutto giugno 2001 Cantieri Culturali alla Zisa, Palermo

La caduta degli angeli, foto di Nino Annaloro

“La caduta degli angeli” è una ipotesi di lavoro, di studio e di spettacolo su William Butler Yeats, scrittore irlandese di questo secolo, sulla sua poetica e in particolar modo su “I drammi celtici” , scritti tra il 1904 e il 1939.
Yeats è un autore che ho scelto per assonanza tra la sua scrittura e una insondabile e spesso indefinibile sensibilità siciliana. Il suo linguaggio lontano e differente, carico di altro significato, mi ha attratto per contiguità con la percezione che ho della realtà di questa isola.
“I drammi celtici” sono suddivisi in cinque brevi sezioni, ognuna con una sua autonomia narrativa. Insieme formano un coerente racconto, o saga eroica, dalla nascita fino alla morte del protagonista. La condizione dell’eroe raccontato da Yeats, riflette la condizione dell’uomo in una terra senza speranza, “nata dallo sputo del diavolo”, colpita da maleficio. Una saga eroica in questo progetto ricondotta per essenzialità al ciclo cosmogonico, alla nascita e alla partenza dell’Eroe e alle sue continue metamorfosi, fino alla dissoluzione del ciclo vitale.
“La caduta degli angeli” si ispira liberamente a “I drammi celtici”, non li mette in scena integralmente, ma li tratta come fonte primaria di ispirazione.
Forse qualcosa della tradizione irlandese tanta amata da Yeats può essere, arbitrariamente, ritrovata in Sicilia che, a mio parere, con l’Irlanda non condivide soltanto l’insularità.
L’eroe di Yeats, del resto, indossa una maschera che deve rappresentare “un nobile volto mezzo greco e mezzo asiatico”
Immagino che i nostri eroi possano fare a meno di qualsiasi maschera.
La caduta degli Angeli è inoltre il racconto di una battaglia che ha il valore di tutte le battaglie combattute dall’uomo ed è il racconto di un eroe la cui esistenza è in tutto simile a quella vissuta da mille altri eroi con mille volti diversi. Sono le battaglie combattute da Sundiata come quelle di Coriolano o Sun Pin, sono le battaglie degli eroi semi-dei o di grandi re di piccole tribù. Al centro di questo universo c’è l’uomo che comanda, il re che governa, il generale che conduce, solitario centro di un universo periferico che si muove chiassoso attorno a lui, pronto a tradire dopo avere osannato, senza tentennamenti.
Il progetto privilegia il momento creativo o artistico della strategia, come visione d’insieme e progetto unitario. Come nel teatro, in battaglia è indispensabile elevare il livello di conoscenza e di addestramento di tutti coloro che partecipano a un’impresa. Esso pone in primo piano il fattore umano, come anche la danza sa fare, e tutte le forme in cui si manifesta l’antagonismo. L’obiettivo, oltre a quello del racconto di una battaglia, è lo studio dell’azione umana in condizioni particolari. Condizioni in cui è necessario che la concentrazione mentale raggiunga la massima intensità e si traduca spontaneamente nell’azione: “…attesa, difesa, attacco...”
Di Yeats mi affascina inoltre la vaghezza dell’atmosfera in cui i personaggi si muovono, il suo ricorso a una mitologia del fantastico, i temi esoterici e cristiani, il suo misticismo poetico, ed il fatto che i suoi non sono drammi naturalistici e convenzionali, sebbene egli mi appaia, come drammaturgo, poco o nulla interessato ai dettagli umani, e concentrato sulle suggestioni di un altro mondo, all’ “artificio dell’eternità”.
Quarta e ultima tappa di un percorso lungo un anno, dopo gli studi a Noto “L’isola dell’esilio” (Centro Mobilità delle Arti, marzo 1999) Pescara “Guerrieri sulle nuvole” (Compagnia Florian, Stabile di Innovazione Abruzzese, giugno 1999) e “Quelqu’un m’a trahi” (Centre Culturel Franqais di Bamako, Mali) e che ha visto protagonisti insieme agli attori della Cooperativa Teatrale Dioniso anche i giovani della Comunità Filtro, Centro di Prima Accoglienza di Palermo. Ragazzi con cui Claudio Collovà ha da anni avviato un progetto di formazione e di ricerca teatrale nella sua città e che ha già dato alla luce numerosi progetti, da Miraggi Corsari a Eroi (1997), a Eredi (1998) e L’isola dell’esilio (1999), fino a Una solitudine troppo rumorosa (1999), progetti speciali promossi dall’Assessorato alla Cultura di Palermo e tutti in collaborazione con il Ministero di Grazia e Giustizia.

Claudio Collovà

dai Drammi Celtici di W.B. Yeats

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Gabriele Benedetti, Carmelo Casale, Maria Castronovo, Serena Cazzola, Giuseppe Cucco, Alina Constantin, Alessandra Fazzino, Claudia Feraru, Vincenzo Gammicchia, Maurizio Giglione, Alessandra Luberti, Giuseppe Massa, Agostino Mazzola, Marian Milea, Agata Monterosso, Alessandro Mor, Davide Napoli, Giacco Pojero, Vittorio Polacchini, Nicoleta Simion, Tania Simion, Vasilica Stan, Marcello Tringali, Florin Vizzi Tudor, Nino Vetri, Marcella Zindato, Gabriel Zugravu

scene e costumi Filippo Pecoraino, musiche Giacco Pojero, Nino Vetri, lavoro sul movimento e coreografia Alessandra Luberti, assistente alla regia Agata Monterosso assistente scenografo Paolo Attardo, collaborazione organizzativa Nicola Laieta, organizzazione OfficineOuragan Chaterine Pugnetti, prod. Nutrimenti Terrestri Messina, Centro Mobilità delle Arti, debutto marzo 2000, Auditorium ex Chiesa di S. Caterina, Noto

L'isola dell'esilio, foto di Nino Annaloro

L’isola dell’esilio di Gigi Giacobbe A conclusione di un laboratorio teatrale interdisciplinare durato venti giorni denominato casAperta, promosso dai componenti del Centro Culturale Mobilità delle Arti, Corrado Russo e Mariangela Gioacchini, il regista palermitano Claudio Collovà ha messo in scena nell’Auditorium barocco dell’ex Chiesa Santa Caterina uno spettacolo-studio, L’isola dell’esilio, ispirandosi ai Drammi Celtici di William Butler Yeats. Un emozionante work in progress che ha visto partecipi una trentina di giovani italiani e stranieri e che chiamarli già “attori” sarebbe forse riduttivo. Infatti un terzo di essi proviene dalla Romania, da quella Fondazione Parada fondata dal clown francese Miloud Oukili che ha “salvato” ben 600 di queste giovani anime costrette a vivere come topi nelle fogne di Bucarest, ricevendo adesso in questo centro assistenza e affetto e l’opportunità di ritornare a vivere in superficie attraverso il Teatro. Hanno partecipato allo spettacolo pure una decina di “ragazzi a rischio” della Comunità Filtro di Palermo, sottoposti a misure cautelative; mentre i restanti aspiranti attori, sono stati selezionati dopo aver risposto ad un bando nazionale.
Spettacolo emozionante, si diceva, che ha messo in luce ancora una volta le qualità visionarie di Collovà e del suo modo di arricchire la scena con mezzi “poveri”. Pensate innanzitutto a questo ritrovato spazio. Una chiesa sconsacrata in cui si ribaltano le geometrie di visione: il pubblico sta nell’area rialzata dell’abside, gli attori nella bianca navata centrale. Pronti ad intervenire ad un segno del re, quello di Gabriele Benedetti, unico attore professionista e presenza assidua degli spettacoli di Barberio Corsetti, somigliante, con quel cappello a cono cinto da piccola lampada tascabile, ad un minatore, ma anche ad un fool shakespiriano che rotea il suo lungo bastone come se dovesse difendersi da qualcuno. In fondo e al centro, giusto all’entrata della chiesa, è situata una sorta di piccola struttura piramidale guarnita da sacchi di juta: un vulcano quasi che partorisce due nere figure femminili dai movimenti insettiformi mentre ombre sinistre dietro un grande lenzuolo bianco preannunciano che come lava usciranno da quella larga bocca uno stuolo di guerrieri armati di bastoni multiuso, utilizzati pure per muoversi saltellando tenendoli piantati a terra. Le storie celtiche sono pretesto per Collovà per dipingere lo spazio in forma astratta. Si possono rinvenire le storie d’un re che vuol detenere il potere a tutti i costi, anche emulando quell’episodio della “spada nella roccia”, qui il suo semplice bastone infisso a terra senza che nessuno dei pretendenti al trono riuscirà a sfilarlo e si possono trovare altre storie come quelle dei cinque folletti o piccole fate che cercano di fare dei sortilegi nei confronti di quel re che se ne sta accucciato sul suo cavallo di legno, pronto a combattere contro fantasmi o mulini a vento.
Sulla scena ci si esprime in italiano, più spesso in rumeno: come farà quella coppia di ubriachi, un acrobata e un cieco con occhiali-fanali sul viso, che percorrerà l’intero spazio mentre quel re si darà alla fuga sul suo cavallo giocattolo. Architettando giochi gli allievi, deponendo a raggera i loro bastoni e ponendo al centro quel fantoccio di re. Emulano la guerra all’arma bianca e poi, forse nella scena più bella, dodici di loro, sei per lato, infilandosi dietro a degli alti e convessi scudi di lucido alluminio con rotelle, muoveranno queste piccole macchine belliche a mò di falange e fra quella massa acciaiosa si vedrà il corpo del re dondolare come sulle onde del mare, alzato il più in alto possibile e infine fatto morire e rotolare per terra come una bestia. Questi ultimi movimenti, ma anche altri, sono accompagnati dalle mediterranee e struggenti musiche di Giacco Pojero e Nino Vetri, anche loro in scena, così come Alessandra Luberti che ha curato la parte coreografica, mentre le scene sono firmate da Filippo Pecoraino. Un successo e viva il teatro se può servire a recuperare, a salvare forse, tante anime emarginate e disadattate.

Gigi Giacobbe

dal romanzo di Carmelo Samonà

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Ruggero Dondi, Gabriele Benedetti

scene Claudio Collovà, luci Nando Frigerio, ambientazione sonora Maurizio Lanzalaco, assistente alla regia, Alessandra Cassinelli, delegata alla produzione Cesin Crippa, realizzazione scene Sandro Bernardini con studio di architettura lnzerillo-AIbegglani, pittrice scenografa Elisabetta Mastrangelo, realizzatrice Elisabetta Pajoro, assistente costumista, Lara Friio, fonico Mizio Manzotti, foto di scena Bruna Ginammi, prod.Teatridithalia Milano, Festival di Palermo sul Novecento, debutto novembre 1999 Teatro dell’Elfo, Milano

Fratelli, prima edizione, foto di Nino Annnaloro

Si incidono nella memoria questi “Fratelli” che Claudio Collovà, sfidando le peculiarità del romanzo di Carmela Samonà, ha fatto agire sulla scena, strappando alla letterarietà del testo quella potenziale teatralità capace di restituire, senza tradirla, la materia incandescente di una convivenza al limite della follia. Lo spettacolo, prodotto da Teatridithalia in collaborazione con il Festival sul Novecento, segna, infatti, un momento felice di questa edizione della rassegna e dell’attività del regista palermitano poiché ha dimostrato come anche La carenza di mezzi può divenire strumento d’invenzione quando la creatività nasce da un’idea di teatro che sa farsi metafora della realtà e pregnante poesia della finzione. Gabriele Benedetti e Ruggero Dondi, vivono intensamente la condizione dei fratelli coinvolgendo il pubblico nei percorsi di una narratività memoriale che sa farsi concreta azione drammaturgica in un crescendo di situazioni sceniche che, dai silenzi imbarazzanti fino alla convulsa gestualità del finale, intreccia con misura dialoghi e frammenti narrativi. Una visività filmica nella quale si innesta un certo espressionismo, provoca quel flusso continuo di contrappunti che fanno loquace il silenzio e staticamente mossi i ritmi interpretativi di una condizione umana resa con tratti beckettiani ed elementi maturati da altre esperienze novecentesche ma certamente riconducibili alla cifra del teatro di Collovà, rivolto, appunto, alla forza della visività e alla condizione postmoderna. Lo spazio della casa-prigione, rimanda ai meandri mentali della malattia che sembra trasmettersi da un fratello all’altro mentre il registratore funge da memoria oggettiva e i due straordinari attori ne percorrono le stanze, rese da sei essenziali pannelli scenografici, misurandone la solitudine, la contraddittorietà e i sogni di una impossibile fuga.
Il gioco serrato ha momenti di grande suggestione nel duetto mozartiano di Leporello e Don Giovanni. nel clima della processione che suggerisce la musica bandistica della chopiniana marcia funebre e in altri segni che avvincono lo spettatore dentro l’atmosfera che tutta la pièce sa creare. Misurato da una miracolosa drammaturgia. il romanzo di Samonà parla al pubblico d’oggi con la triplice voce di Collovà. Dondi e Benedetti. splendido protagonista che ha conquistato la platea. Calorosissimi gli applausi che hanno decretato il meritato successo. Si replica fino a domani.

Piero Longo

da Magritte, Canetti, Enzensberger, Joyce

uno spettacolo di Claudio Collovà, collaborazione drammaturgia Clelia Lombardo, con Iker Filomarino, Alessandra Luberti, Alessandro Mor, Giacco Pojero, Nino Vetri, Maria Castronovo, Giuseppe Cusimano, Andrea Cusimano, Armida Marabella, Giuseppe Massa, Tiziana Perricone, Angelo Rosato, Laura Seragusa

scene e costumi Daniela Cernigliaro, direttore allestimento Massimo Briguglia, realizzazione scene Benedetta Dalai attrezzista Daniela Balsamo, assistente costumi Paola Basile, laboratorio scenografico Claudio Napoli, Francesco Patricolo, Elisa Parrinello, Massimo Cirlincione, Domenico Scianna, Fabio Oliveri, Leandro Cascon, Jona Klein, elaborazione video Nello La Marca, progetto fotografico Roberto Collovà, foto di scena Nino Annaloro, prod. Teatro Biondo Stabile di Palermo, OfficineOuragan e Ministero di Giustizia Dipartimento Minori, debutto novembre 1998, Cantieri Culturali alla Zisa, Palermo

Eredi, foto di Nino Annaloro

All'origine di Eredi c'è un dipinto di Magritte, Il mese delle vendemmie. Un'immagine in cui ho scorto potenzialità teatrali. La finestra si è poco alla volta svuotata dei suoi abitanti: qualcuno è entrato dentro la mia stanza e mi ha salutato con affetto, altri ancora non li ho più rivisti, semplicemente spariti e mai più ricomparsi. Tutti sono usciti dalla fissità del dipinto e hanno assunto una mobilità a volte imprevedibile.
Quando i magrittini hanno cominciato a muoversi non si sono più fermati. Liberati dal letargo, come gli uomini del sottosuolo a cui per troppo tempo è stata preclusa la vita in movimento, si sono messi in viaggio. 'Qualunque cosa vogliate sapere sulla vita, potrete apprenderla viaggiando', hanno finito col dirci, con saggezza. E il loro procedere è finito con l'essere sempre più vicino al mitico viaggio di Ulisse a bordo del Titanic.
'Tanti ometti tutti uguali, uscivano da casette tutte uguali. E' proprio dei demoni e degli angeli presentarsi come stranieri, visitatori di un altro mondo. Così gli éboueurs affiorano nelle nebbie di un mattino solo il bulbo degli occhi che rischiara il viso perso nel buio', scrive Calvino in La strada di San Giovanni, alludendo a una comunità non solo fisicamente, ma anche e soprattutto spiritualmente armoniosa, che si differenzia da noi civili spettatori, eppure composta da individui della nostra stessa specie.
I personaggi di Eredi vivono anch'essi sulla soglia della beatitudine e dell'idiozia, perdono spesso lorientamento, scambiano ogni mappa per labirinto, si spaventano di ogni rumore. E trascorrono il loro tempo alla finestra di una casa normale e scenografica come quella di Magritte, a guardare il mondo con un punto di vista capovolto, dall'esterno verso l'interno, e che la scenografia di Daniela Cernigliaro ha ribaltato ancora, e dotato di una forte inclinazione incombente sulla nostra vita. Un coro di personaggi, in cui l'idiozia di clown borghesi e la loro assonanza spirituale, non cancella lindividualità di cui sono in possesso. I magrittini sono soggetti modernamente intesi, soggetti dominatori del mondo, che esercitano il proprio dominio attraverso lo sguardo. In questo senso mi sembra di scorgerli dappertutto, come membri di un esercito agguerrito che non conosce ostacoli.
Il dipinto di Magritte mi ha permesso inoltre di continuare la mia ricerca in spazi formali a me cari e presenti in spettacoli precedenti. La presenza di una parete che separa un retro invisibile, luogo precluso al nostro sguardo, da un davanti visibile in cui ci si espone e si rischia l'esibizione. E una soglia da varcare in questo caso una finestra, che si supera a proprio rischi e pericolo, e dalla quale è pur sempre possibile esprimere un punto di vista naturalistico.
Dal punto di vista strettamente drammaturgico, con 'aiuto di Clelia Lombardo, ho messo in relazione frammenti apparentemente incompatibili. Materiali influenzati dallo studio delle risorse e delle fonti non solo letterarie.
I comportamenti della massa sono lucidamente e scientificamente raccontati in Massa e potere di Elias Canetti, la struttura del viaggio riprende il resoconto poetico de La fine del Titanic di Enzensberger e infine molte delle immagini di Eredi sono state liberamente ispirate dell'Ulisse di James Joyce, dal testo fotografico di Roberto Collovà su Palermo e dalle musiche di Giacco Pojero e Nino Vetri.
I dipinti esposti dai magrittini sono di Iker Filomarino, suoi sogni notturni durante il periodo di prove.
Con Eredi la Cooperativa Teatrale Dioniso continua un lungo periodo di lavoro con i ragazzi della Comunità Filtro e in collaborazione con il Ministero di Grazia e Giustizia, cominciato con Miraggi Corsari e proseguita con Eroi. Con noi hanno lavorato duramente e con passione una decina di ragazzi: una parte di essi andrà in scena, altri si sono occupati della scenotecnica e della sartoria. Per due mesi la loro presenza ha saputo dare un senso ulteriore al nostro lavoro.

Claudio Collovà

da Bohumil Hrabal

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Claudio Collovà, Jona Klein, Giuseppe Massa, Andrea Cusimano, Armida Marabella, Giuseppe Cusimano, Tiziana Perricone, Angelo Rosato, Laura Seragusa e Francesco, Massimo, Domenico, Fabio, Leandro

scene e regia Claudio Collovà, costumi Daniela Cernigliaro, coreografia Alessandra Luberti , musiche Giacco Pojero, Nino Vetri, direttore allestimento Massimo Briguglia, amministrazione Nino D’Acquisto, prod. OfficineOuragan, Ministero di Giustizia, Città di Palermo, ETI, CGM Sicilia, IPM Palermo, USSM Palermo, debutto: Spazio Zero, Cantieri Culturali alla Zisa, Palermo, dicembre 1999

Una solitudine troppo rumorosa, foto di Nino Annaloro

Uno spettacolo-concerto basato sulla produzione musicale dei Mil – Musica Internazionale Locale, band che aveva dato vita sonora ai miei due precedenti lavori, Miraggi corsari del 1997 e Eredi del 1998. In scena su un palchetto che ricordava molto quelli usati nelle sale da matrimoni di periferia della nostra città, infiorato e imbellettato, Giacco Pojero e Nino Vetri e una nutrita banda di musicisti, tutti elegantemente vestiti con bisunti smoking d’epoca e alti cilindri. E sotto il palco, nella grande sala svuotata dalla platea di un capannone Ducrot, gli ospiti di un matrimonio già celebrato, anche eleganti come cafoni arricchiti, a divagare per la scena in quadri che seguivano dappresso le canzoni eseguite. Una baraonda silenziosa e circense che già lasciava trasparire il mio interesse per le insulse movimentazioni di una massa idiota, macabra e cabarettistica che sarebbe più in là, molti anni dopo, stata al centro di Massa e Potere di Canetti del 2010. Il titolo, meraviglioso, lo devo ovviamente, all’innocente Hrabal, a cui ho rubato un’immagine che mi ha guidato durante il processo della creazione. Insieme a noi, sette giovani attori dell’Ussm, i Servizi Sociali Esterni della Comunità Filtro presso il Carcere Minorile del Malaspina di Palermo.

Claudio Collovà

da Pier Paolo Pasolini

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Elisa Cuppini, Anna Dego, Sergio Lo Verde, Giacco Pojero, Antonella Romana, Roberto Serpi, Filippo Timi, Carmelo Vassallo, Nino Vetri, Davide Alosi, Giovanni Carini, Marco Corona, Giuseppe Cusimano, Rosario Ferrera, Antonella Formisano, Giuseppe Massa, Angelo Rallo, Guido Piccilli

ideazione e progetto di Claudio Collovà, Sergio Lo Verde, Fabrizio Lupo, progetto scenico e immagine grafica Fabrizio Lupo, coordinamento artistico e allestimento Sergio Lo Verde, lavoro sul movimento Elisa Cuppini, costumi e assistente allestimento Daniela Cernigliaro, assistente alla regia Chiara Trezzani, direttore di scena e assistente allestimento Cinzia Infante organizzazione Salvo Giampino, amministrazione Marta Farinella, prod. Teatro Biondo Stabile di Palermo, OfficineOuragan e Ministero di Giustizia Dipartimento Minori e di Comunità, CGM Sicilia, USSM Palermo, debutto luglio 1997, Cantieri Culturali alla Zisa, Palermo

Miraggi corsari, foto di Nino Annaloro

Vorremmo dire, a parole, cosa ci è stato necessario e urgente durante il lungo periodo di prove che abbiamo affrontato. Siamo partiti da una negazione, definendo ciò che volevamo fosse irrilevante per il progetto: il resoconto, più o meno fedele, della storia di Cristo e di Edipo così come erano state raccontate da Pasolini.
Abbiamo voluto dimenticare questo resoconto e favorire la nascita di una nostra storia imprevedibile che è proceduta per squarci, appunti, contrapposizioni e stimoli emotivi non governabili. Un percorso altrettanto importante quanto era stato lo studio sistematico delle fonti di ispirazione. Abbiamo finito col parlare del prodotto consueto dell’Alchimista - il primo personaggio a cui abbiamo pensato - il sognatore, dalla cui sordida stanza di laboratorio vengono generati ‘luoghi e personaggi’, frammenti di azioni appartenenti, per noi, al concretissimo mondo dei sogni.
Abbiamo voluto inoltre che la vita dei due eroi non intrappolasse i personaggi e noi. La storia di “Miraggi Corsari” procede quindi per strappi e divergenze che ci investono con una forma autonoma e indipendente.
Con l’Alchimista abbiamo voluto guardare con più coraggio e libertà alla stranezza del sogno. E questo è stato più che altro il compito dei personaggi. Ciechi come nel tragico dipinto di Bruegel, sottoposti a un destino immutabile come tutti gli esseri umani, ma eterni in teatro.
La dedica a Pasolini si è tra l’altro concretizzata, privandosi subito di qualsiasi riferimento letterario, grazie alla presenza di dieci ragazzi della Comunità Filtro che hanno lavorato con noi duramente e con dedizione durante il processo di elaborazione, sette dei quali diventando poi componenti essenziali in scena. Un’ultima parola sullo spazio scenico. L’esistenza di un Capannone Ducrot, permetteteci di chiamarlo ancora in questo modo, così in sintonia con il nostro lavoro è stato fin dall’inizio di ottimo auspicio. ‘Miraggi Corsari’ è debitore a un luogo già esistente che appare diviso in zone: una ben visibile e di rappresentazione, una invece più nascosta e segreta, distante e avvolta nelle ombre.
Nel mezzo sette soglie di sette case che abbiamo abitato spesso con stupore, per averle prima tanto immaginate sulla carta.
Tentando un parallelo tra gli avvenimenti della vita di Edipo e la vita di Cristo, si è aperta una contrapposizione tra la storia dell’uno e quella dell’altro. Sia Cristo che Edipo si sacrificano per una colpa del passato. Che dire del fatto che l’uno uccide il padre, mentre l’altro viene sacrificato per volere del Padre? E che dire poi dei miracoli? Quelli di Cristo sono nel Vangelo, mentre il miracolo di Edipo è la soluzione dell’enigma della sfinge, la verità che scaccia il male, la luce che fuga le ombre oscure.
Entrambi vengono acclamati re e vengono poi esposti allo scherno del popolo, entrambi vengono allevati in famiglie con un padre putativo, ed entrambi si allontanano dalla famiglia per andare incontro al proprio destino inevitabile. Si mettono in viaggio costruendo inesorabilmente uno ad uno i passi che li porteranno.

Claudio Collovà

dall'opera di Vincenzo Consolo

uno spettacolo di Claudio Collovà, ideazione Mariella Lo Sardo, con Anna Dego, Tatu La Vecchia, Mariella Lo Sardo, Sergio Lo Verde, Carmelo Vassallo

scene e costumi Fabrizio Lupo, composizione musica Ralph Towner, luci Marcello D’Agostino, direttore di scena Romolo Resga, assistente alle scene ed ai costumi Cinzia Infante, prod. Cooperativa Teatrale Dioniso, debutto ottobre 1995, Teatro Libero Palermo

L'isola incandescente, foto di Nino Annaloro

Palermo è infetta! i quartieri popolari sono addobbati! corde da una parte all’altra della strada! Santa Rosalia! volgari camicie di seta/ le feste nei giardini o sulle terrazze! un quartiere di macerie! evacuazione/ accumulazione di immondizie! la guerra contro la civiltà! la cultura, la decenza! panciuta inferriata! veli variopinti/ disfatta parata di baroccume isolano! viene voglia di scappare in alto! la gente in attesa che guardava in alto! chiudevano svelti le tende sbiadite! una mamma con panzone e baffoni! questi fanciulli cronici! faccia di ceffo fanciullo all’improvviso distaccasi la luna! pazienza, in altri teatri, su nuove illusioni nascono certezze! siamo figli del Crudele, pazienza! io l’ho rappresentato solamente! e anche voi avete recitato una felicità che non avete! un mondo antico e nuovo, invaso dall’oblio! è finzione la vita, malinconico teatro, eterno mutamento! sipario dell’eterno! l’artista capisco e si studi di aggiustare! una dimenticata marcia scenografia teatrale! al capezzale del malato! che menzogna, che recita, che insopportabile linguaggio!! questo gran teatro compromesso! il teatro s’è distrutto! la morte quotidiana! riaffiorano immobili sequenze! e troveremo un varco, un passaggio, e cosa ci attende dietro quel sipario?! mutata è la scena, ma uguale resta lo spettacolo, uguale il sogno, la pena naufraghi di una storia infranta! involontarie comparse! non conosciamo i confini, dimenticammo l’inizio, ignoriamo la fine, ma riferiamo incauti! e tuttavia per frasi monche, parole difettive, per accenni, allusioni, per sfasature e afonie tentiamo di riferire di questo sogno, di questa emozione! figure emergenti o svanenti! parola, sussurro, accenno, passo nel silenzio! vana sembra la ricerca, la prova di un racconto! sfuggenti immagini tutto si è svolto qua, in terra di Sicilia vicende sempre nuove, nuove avventure, ignote! capisco coloro che viaggiano, gli eterni erranti, i nomadi, i gitani. . . . ingannano la morte! ogni cosa in me è rimasta come avanti! provo grande nostalgia, e vorrei presto tornare nella mia cittate! il porto d’Ulisse dirlo fuor di racconto, di meta foro, è impresa ardua o vana! è in questo tempo per chi scrive un mortale rischio tradire il campo, uscire dal racconto, negare la finzione e i! miele letterario, riferire d’una vera realtà, d’un ritorno amaro, d’un viaggio nel disastro le lucciole che credevi scomparse, cominciano a tornare. Ne ho vista una ieri sera, dopo tanti anni.
dall’opera di Vincenzo Consolo il mio omaggio all’autore

Claudio Collovà

di André Breton

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Annapaola Vellaccio, Edoardo Oliva

drammaturgia Mario Prosperi, scene Giulio Ceraldi, assistente regia Fabio Sanvitale, aiuto scenografo Alessandro Nico Savino, Damiano Colacito, foto di scena Roberto Canò, produttore esecutivo Giulia Basel, prod. Compagnia Florian, Stabile d’Innovazione delle Marche, debutto marzo 1995, Florian Espace Pescara

Nadja, foto di Nico Savino

Nadja è un bellissimo libro scritto da André Breton, tra il 1926 e il 1928, in pieno periodo surrealista. Partito da un evento reale avvenuto nel 1926, la sua appartenenza ad un “mondo non terreno” sembra a noi prendere il sopravvento quasi subito: soprattutto perché il tormento in cui si trova Breton viene da lui stesso definito eterno, a partire dalla dichiarazione che dà del suo rapporto con Nadja fin dalla prima pagina:
Non posso avere con nessuno rapporti che non siano singolari, inevitabili, conturbanti.
Pienamente d’accordo.
Non viene negato il ruolo di fantasma convenzionale, nell’aspetto, nell’ora e nel luogo, attribuito ad una donna e ad un uomo condannati a tornare sui propri passi, alle prese con esplorazioni inutili, alla ricerca di memorie che non spiegano nulla e che sembrano perdere consistenza al loro apparire.
Ci siamo mossi, con preoccupazioni, naturalmente, extraletterarie, senza nessun intento narrativo, volando lontano e rivendicando a piena voce la nostra autonomia artistica.
Nadja, il surrealismo, la realtà ed il testo – anche quello personale e commovente di Mario Prosperi, da cui in definitiva è nata l’idea di produzione della Compagnia Florian, Stabile d’Innovazione delle Marche – sono così diventati fonte inesauribile d’ispirazione, che è via via diventata arbitraria, non “trasferibile” da un luogo all’altro come una valigia già piena, se non con un processo che ci ha messo tutti nella condizione della sorpresa per poter creare.
Annapaola Vellaccio ed Edoardo Oliva, gli attori in scena, Giulio Ceraldi, mio compagno di viaggio con cui lavoro felicemente da anni – dai tempi in cui eravamo attori nella Compagnia diretta da Antonio Neiwiller - e che ha curato il progetto scenografico, tutti coloro che hanno collaborato affinché questo spettacolo vi possa essere presentato, la Compagnia Florian a cui va il merito di averci fatto incontrare ed io stesso, non abbiamo mai voluto dimenticarci di noi, nemmeno per un istante.
A dopo se volete

Claudio Collovà

di Aurelio Grimaldi

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Mariella Lo Sardo, Paola Pace, Gabriella Fazzino, Alessandra Fazzino

scene Giulio Ceraldi, costumi Enzo Venezia, luci Pasquale Mari. Prod. Cooperativa Teatrale Dioniso, debutto gennaio 1991, Piccolo Teatro Palermo

Le buttane, foto di Bruna Ginammi

…il terzo lunedì del mese di novembre, alla finestra di una caso nera... ci chiedevamo quale idea avere, che faccia mostrare, fare, dominare, nel freddo.
Ora sappiamo: indumenti maschili, larga pozzanghera bianca, macchiata, e qui e lì sul bianco, una verde cravatta, un verde gilè d’alti tempi, un sorriso di denti cariati da cui si innalzano colonne di porte aperte sul vuoto. E acqua di stagno usata per il battesimo del senza-nome.
...il terzo martedì di novembre, vento che soffia sulle finestre di una casa nera …inutile serrare a terra i segreti, inutile impiccarli al soffitto, inutile negarli perché essi sanno riapparire in più di un quadro senza firma.
…il terzo martedì, mercoledì, giovedì, e così via...
perché a tutto c’é una ironia bastante utile per amare il vento che soffia per il naturale andare delle cose, per un flusso costante che lo accompagna fin da quando ero bambino, fin da quando era bambino il vento.
Il suono di una musica araba...
Questa terra non mi appartiene, questa terra non è più mia, non è mai stata mia, è in mano agli infedeli che sbattono le loro note del deserto sulle mie orecchie di peccatrice, eppure... eppure anch’io voglio essere accolta nel sonno, come fu per mia madre, per lo madre di mia madre e per la madre della madre di mia madre, amen.
…il terzo venerdì dei mese di novembre dovrebbe nevicare, imbiancare, dissimulare il rosso del sangue che verso sotto la coltre di candida neve, una candida coltre di fiocchi di neve mandata giù dalla mano di dio, anche lui pigramente seduto alla finestra di una casa nera, che tutto vede e nulla protegge, a cominciare dalle parole che vorrei dire e che non mi lascia dire, a cominciare dal silenzio che mette tutto a posto e dal rumore di preghiere lontane...
Ora sappiamo cosa contiene il nostro baule aperto sotto la luce di un faro, davanti a voi: un sogno, due lunghi abbracci, un bacio profondo dell’aria contro la polvere, un amplesso pagato e strapagato, la vanità di un uomo eccitato e deciso che ritiene l’indifferenza gradita accettazione.
...il terzo sabato, la terza domenica del mese di novembre...
un sonno di febbre all’aprirsi dei sipario.

Claudio Collovà

Line di Israel Horovitz, traduzione e regia di Claudio Collovà con Tatu La Vecchia, Maurizio Spicuzza, Gianni Conversano, Paola Pace, Paolo La Bruna, Angelo Rossi. Luci Salvo Corridore, costumi Gaetano Cipolla, consulenza musicale Dario Compagna, consulenza coreografica Andrea Costa, organizzazione Valeria Di Chiara, assistente regia Patrizia D’Antona. Produzione Cooperativa Teatrale Dioniso, Piccolo Teatro Palermo e Politecnico Roma 1987

La corda di Eugene O’Neill, traduzione e regia di Claudio Collovà con Gelsomina Burruano, Valeria Di Chiara, Serafino Giacone, Tatu La Vecchia, Sergio Lo Verde, scene Roberto Lo Sciuto, costumi Maria Rita Oddo, musiche Maurizio Lanzalaco, luci Gano Scancarello, immagina grafica Gabriele Gulotta, produzione Ass. Culturale Il Labirinto e Cooperativa Teatrale Dioniso, Il Labirinto Palermo, dicembre 1988

Viaggio, racconto del mistero liberamente tratto da The Hitcher di Lucille Fletcher, traduzione e regia di Claudio Collovà, con Claudio Collovà, Tatu La Vecchia, Sergio Lo Verde, Paola Pace, scene e costumi Daniela Cernigliaro, musica Maurizio Lanzalaco, produzione Teatro Daggide, Città dei Ragazzi Palermo luglio 1988

Trilogia americana 1987/1988

Dal 1987 al 1988, forse per antiche assonanze con la letteratura anglo-americana e la mia laurea, mi dedicai a tre brevi atti unici di drammaturghi americani.
Line di Israel Horovitz, “un tenero teppista americano… dolcemente autentico che descrive le cose più crudeli con un sorriso.” secondo la definizione di Eugene Ionesco. Un atto unico che raccontava la lotta disperata di cinque esseri umani in fila davanti a una striscia bianca. Il confine che segnava non portava da nessuna parte e l’attesa che si protraeva dall’alba naturalmente continuava per tutta la durata del giorno e della notte. Una surreale guerriglia per una inutile supremazia in cui nessun colpo basso era escluso, e che spesso da goffa e incruenta si trasformava in immorale e violenta.
La corda, un brevissimo atto unico del 1918 di Eugene O’Neill, il dramma di una famiglia americana che vive in una capanna in cima ad un altro promontorio della costa. La corda è in realtà un cappio che un padre abbandonato lascia pendere dal soffitto in attesa che ritorni il figlio. E’ lì che ha nascosto i suoi soldi e nessuna violenza servirà al figlio per ritrovarli. Povertà, squallore, disperazione aleggiano per tutto l’atto.
Infine Viaggio di Lucille Fletcher che per assonanze era altamente in debito con una serie di titoli della filmografia americana a me particolarmente cari. ‘The Hitcher’; 'Paris-Texas'; ‘Duel', 'Easy Rider' e anche letteratura da 'On the Road’ di Keruoac, ‘Riso Nero' di Anderson, ‘Strade Blu' di Least Heat-Moon a ‘The Hitcher', naturalmente, racconto del mistero di un automobilista che per strada incontra la Morte camuffata da innocente autostoppista. Di essa si facevano ampie citazioni per scene, linguaggio e generale atmosfera. Non c'era nessuna commistione di tipo strutturale tra cinema e teatro. La copresenza non riguardava gli strumenti o le tecniche, ma la possibilità di suggestione che un vantaggio dichiaratamente cinematografico poteva far nascere sulle tavole di un palcoscenico.
Queste mie regie davano continuità al mio primo gruppo di lavoro formato per lo più da attori e attrici diplomati alla scuola Teatés diretta da Michele Perriera a Palermo.

Claudio Collovà

di Michel De Ghelderode

uno spettacolo di Claudio Collovà, con Claudio Ambrosetti Patrizia D'Antona, Valeria Di Chiara, Tatu La Vecchia, Paola Pace

scene Daniela Dell’Utri, costumi Maria Adele Cipolla, luci Sergio Ferdile, prod. Teatés, debutto febbraio 1987, Teatro Europa Palermo

Il Cavaliere Bizzarro, foto di Fabio Sgroi

Il Cavaliere Bizzarro di Michel de Ghelderode venne rappresentato per la prima volta sul palcoscenico del Teatro Europa nel febbraio del 1987. La compagnia era formata tutta da attori diplomati dalla Scuola di Teatro Teatès di Michele Perriera, provenienti dai trienni precedenti. E fu proprio Teatès che richiamò alla ribalta la nostra giovane compagnia nel rispetto di una convenzione stipulata con il Comune, di ospitare un gruppo giovane emergente tratto dal panorama teatrale cittadino.“La nostra vocazione – disse Michele Perriera – oltre ad essere quella di produrre spettacoli, è anche quella di rimuovere gli ostacoli che impediscono alla teatralità di questa città di manifestarsi. L’impegno di individuare e di ospitare nuovi punti di riferimento nel nostro futuro teatro, oggi ci porta a mettere nella nostra vetrina un gruppo di giovani diretti da Claudio Collovà, che è stato uno dei registi più interessanti della nostra scuola. Per noi questa scelta è un’indicazione di qualità, per loro una possibilità di farsi conoscere”.
La breve pièce di Ghelderode, ambientata in un ospizio dove cinque vecchi ed una vedetta consumano in modo grottesco e visionario la loro estrema condizione di vita, in attesa di qualcosa. Ad arrivare è solo la morte sotto forma di un bizzarro cavaliere, la quale, più che tenere conto delle invalide presenze, preferisce portare via un bambino. Ispirato alla pittura di Bruegel e al Trionfo della Morte, riferimenti rivelatori della teatralità apocalittica dello scrittore belga e di un nostro amore viscerale per le arti visive. Favola medioevale, dove il misticismo sepolcrale, il “manierismo della morte”, trova nella scuola pittorica fiamminga l’iconografia più attenta. Un testo di dura polemica nei confronti di un certo misticismo religioso. Cinque vecchi sono abbandonati in un’ala dimenticata di un ospedale cadente. Aspettano la morte come una liberazione. Presagi e avvertimenti anticipano l’arrivo del cavaliere bizzarro. Ciascuno si prepara a suo modo per accoglierlo, chi con terrore panico, chi con un macabro senso di liberazione. Campagne e presagi lugubri nell’ospizio dove l’orizzonte è segnato dai teli e dai pali di un medioevo arcaico, stracci appesi a scheletri viventi, che non hanno valenze temporali, ma sono costumi della vecchiaia di tutti i tempi, smessa, imbellettata, polverosa. Vecchiaia, patetica comicità biascicata tra un sobbalzo e l’altro nell’attesa del cavaliere bizzarro, regolatore delle esistenze, “battona immortale” dalla grande memoria.

Claudio Collovà

Claudio Collovà

Il piccolo Amleto

Fratelli (nuova edizione)

Angeli in Biblioteca

Cassandra

Horcynus Orca - Transito e ricongiungimento

Massa e Potere #2

Ulyssage #6 Hamnet, io sono lo spirito di tuo padre

Ogni qualvolta levo gli occhi dal libro

Ulyssage #5 Bloom's Day

Ulyssage #4 Telemachia

I nostri tempi

Hamletmachine

Ulyssage #3 Artista da giovane

Massa e Potere

Ulyssage #2 Uomini al Buio

Ulyssage #1 Ade

Woyzeck

Quel che resta del mio regno

Hamlet album de familie

Cagliostro

Donne in tempo di guerra

Woyzeck

Africa Africa Africa

La Terra Desolata

K l'agrimensore

La famiglia gli zii di Sicilia

La caduta degli angeli

L’isola dell’esilio

Fratelli

Eredi

Una solitudine troppo rumorosa

Eroi

Miraggi corsari

L'isola incandescente

Nadja

Le buttane pomeriggio notte mattina

Line - La corda - Viaggio (Trilogia americana 1987/1988)

Il cavaliere bizzarro

Lo sguardo della critica

Un ritratto inedito di Neiwiller dalla Trilogia della Vita Inquieta

Neiwiller

Galleria fotografica

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